Participantes | ARTIST Feria de Arte Contemporáneo 2020

galerías | artistas participantes en ARTIST 2020

(participación actualizada a : 26/01/2020 )

La sorpresa como motivo principal de mis obras, donde el comienzo del lienzo o tabla en blanco es motivo de inquietud y anhelo; dejo muchas veces que los trazos, los barridos vayan destruyendo a los anteriores hasta que me transmitan sensaciones inéditas, bien en su forma, en su color ó textura… que me señalicen un significado y simbolicen una inesperada “paz”.

Aunque alguna vez me acerco a un predecible figurativismo, huyo rápidamente; no es lo que busco. Necesito transmitir más allá de una realidad, necesito que al observar la obra encontrar su sentir y cada uno haga su propia lectura emocional.

Necesito investigar con el trabajo de diferentes técnicas y materiales, telas, maderas, metales; pues por sí mismo, me transmiten sensaciones diferentes y complementarias.

No creo en los modos ni en las modas, si en los olores, colores y texturas, que vayan configurando mi obra.

ALBERTO MARTIN GIRALDO - Ni-Mú | España

Mi pintura se ocupa de la percepción visual. Más que representar un motivo, trata de representar la visión humana. Empiezo los cuadros movido por un estímulo exterior, por encontrarme ante una imagen que esconde algo que merece la pena desentrañar.

Pinto muy alejado del cuadro para verlo a la distancia que lo verá el espectador. Cada mancha que coloco la retengo en la mente unos segundos mientras me acerco a la mesa, preparo el color y lo coloco en el lienzo.

Ese tiempo de retentiva aumentado hace que la memoria modifique notablemente lo percibido, alejándolo de la realidad objetiva.En ese ejercicio de búsqueda, la pintura se ha de llevar a cabo con la misma naturalidad que se camina, se habla, se come o se respira.

ALFONSO DE TORRES - España

En mi trabajo trato de provocar a través de un proceso azaroso, que la obra surja como algo ajeno y que al mismo tiempo sea un reflejo de mi personalidad. Raramente tengo un proyecto claro del resultado que busco. Debo estar atento a las imágenes que provoco y reconocer de manera intuitiva e inconsciente aquellas que de alguna manera me satisfacen. Para ello hago los cambios necesarios, destruyendo y añadiendo elementos, favoreciendo ese proceso que sucede de forma natural y en el que intervengo de una manera limitada y respetuosa. Aunque en mis cuadros convivan a menudo formas abstractas y elementos figurativos, intento siempre expresar sentimientos, buscando la intemporalidad y la independencia de la obra respecto de referencias a una realidad concreta.

AMEGRA - España

AMEGRA, nombre compuesto de Angel Mercé Grases, acabados sus estudios de música en el año 1956, decidió recorrer Europa.

Viajó a francia, Itália, Inglaterra, Suecia y Alemania donde hizo su primera exposición en la galería Charly, en la ciudad de München, en el año 1959, comenzando así su recorrido por el mundo de la pintura. Fuel el inicio de un camino que se abría para dar salida a sus inquietudes artísticas.

No estaba hecho para la música en cambio le marcó definitivamente y hoy en sus telas y esculturas se perfila una clara inspiración musical.
Así encontramos la "Nota Musical" en todas sus obras materializándose en formas y colores y construyendo unos perfiles figurativos que denominamos "Perfiles de Amegra" de los que nacerán más tarde las esculturas: todas las esculturas nacen de las figuras de las pinturas. De esta manera, trabajando últimamente el acero inoxidable y en la búsqueda del movimiento, consigue crear un marco nuevo y de incomparable belleza.

Hoy reconocido en Europa, el arte de "Perfiles Amegra" se ha ido forjando durante un período de treinta años, durante los cuales se han ido haciendo diversas exposiciones.

ARACELI LARRÁN - España

Mi obra, desarrollada en el campo de la pintura, surge de la preocupación por la forma y el formato, espacio y materia donde se produce la imagen. Imágenes robadas a la realidad y al mundo animal que me sirven como punto de partida de un proceso de investigación y diálogo con el soporte. Se trata del descubrimiento, la pasión de tocar y sentir las formas. Formas orgánicas que transitan constantemente en mi obra, apoyadas en la forma y hablando por el color.

Las obras presentadas corresponden al proyecto Huellas, reflejos. Proyecto que comienza con el material, el papel es la excusa de la investigación. Matriz y objeto, huellas, vivencias, recuerdos, memoria, huellas de materiales vividos, que van conformando cada imagen. El pez, metáfora, referente de la memoria colectiva. El otro referente, el papel, el árbol, la naturaleza….

AYMAR DE VILLELE - Francia EEUU

Aunque la mayor parte de su trabajo es sobre pintura, también experimenta con grabado, escultura y video.

Aymar viene desarrollando su labor artística desde hace más de veinte años. Influido desde muy temprano por sus antecedentes artísticos familiares y también por artistas consagrados como son Ambroselli, Mallet, Pochon.

Tras estudiar Historia del Arte en Montpellier. Progresa en Estados Unidos, perfeccionando sus técnicas al trabajar como artista escénico y escenógrafo durante varios años en Nueva York y Miami.

Cuando llegó a Madrid en 2009, aprovecha la oportunidad para centrarse por completo en sus propias creaciones y se convierte en un artista a tiempo completo. Sus últimas pinturas son el resultado de todos estos años de investigación, análisis y trabajo.

Abraham Benzadón - España

Las obras de A.Benzadón, en sus diferentes estilos y técnicas, mantienen un lenguaje muy personal que reflejan la búsqueda de espacios armónicos, limpios, coherentes, con equidad y energía, que llenan de contenido la levedad del ser en una búsqueda metafísica que trasciende a lo místico o espiritual.
Sus Obras nos hablan de los valores humanos, depositados en la personas, de su responsabilidad como ser humano y de la condición de la vida, de su fragilidad y al mismo tiempo de su poder, en esa lucha constante por el equilibrio y progreso en la búsqueda de la excelencia.
El movimiento, la luz, la libertad según la percepción humana nos hablan también, del paso del tiempo y de su importancia como valor. Las transparencias y luminosidad de algunos materiales reflejan conceptos de intimidad, de búsqueda de la luz y la claridad en el misterio que encierra las obras de arte y de la propia vida.
El artista no busca encasillarse sólo en un lenguaje, sino que prefiere la inquietud del constante proceso creativo para descubrir nuevas sensaciones y reflexiones intelectuales. En este sentido, las obras de A. Benzadón se aventuran en diferentes caminos contemporáneos: Obras óptico-cinéticas, figuración minimalista, obra conceptual, esculturas móviles, obras Pop Art, expresionismo... en esa búsqueda e inquietud que nos hacen reflexionar sobre la magia y el alma de las obras de arte. "El arte , no es lo que vemos es lo que sentimos"

Adolfo Alcaide - España

Es algo totalmente desacertado, tratar de enmarcar el estilo de Adolfo Alcaide dentro de una determinada tendencia. Es, más bien, un estilo absolutamente propio, personal, donde el mundo de lo ONÍRICO contrae matrimonio de poligamia con el de la imaginación, la improvisación y lo paranormal.

Su expresión artística se nutre de la atemporalidad e independencia del entorno específico que continuamente percibimos. Extrañas formas, majestuosamente conjugadas, se subordinan a un trazado firme y seguro que va creando una PRODUCCIÓN ÚNICA. Un producto que logra saciar el espíritu y que estimula la crítica positiva del más exigente de los admiradores.

Ahmad Ghoreishi - Irán

Destruir, de-construir, construir, deshacer… esta podría ser la secuencia aleatoria o no, en el trabajo de este artista rotundo: escultor, arquitecto, pintor y poeta, para mostrar de una manera pasional lo que hierve en su interior.
La obra de Ahmad Ghoreishi es pacifica, musical, elegante, intima, rápida, brillante, radical, equilibrada, inteligente, divertida, irónica, bella, profunda.
Entrar en la obra de Ahmad es iniciar un viaje del que no tendremos control, Antonio Yesa

Alain Cugnenc - Francia

Las perspectivas fotográficas intensas y la paleta de colores exagerados caracterizan la obra del artista, cuyo trabajo se define por el uso de la anatomía humana como un instrumento mas y exactamente igual que los pinceles y sus botes de pintura.

El cuerpo se vuelve un lenguaje que a través de retratos, figuras enteras y fragmentos permiten que las obras hablen de distintas temáticas; desde los sentimientos más personales del artista hasta dimensiones sociales.

Los trabajos más recientes nacen a través de una búsqueda fotográfica sobre el impactante fenómeno migratorio que protagoniza nuestro siglo.

En estas imágenes la mirada del artista se ha centrado en las manos que para él representan un importante medio de comunicación, expresando desde desesperación hasta el deseo de lucha, libertad y reivindicación.

Albert Costa - España

Soy un artista que se centra en las vanguardias más contemporáneas de acuerdo al contexto artístico actual. En la fotografía busco destacar la parte más estética y conceptual, siempre con un significado donde se rompen los cánones más conservadores.
En la pintura fusiono parte estética y conceptual. En primer lugar me centro en el proyecto a desarrollar, y después en su significado. Una vez desarrollado el proyecto, me centro en las obras. El color y la forma crean sutiles y diversas atmosferas con un significado que quiero que empatice y transmita sensaciones y emociones al espectador.

Alexandru Hoha - Rumanía

Descubrió hace tres años su pasión por la pintura, y se dedica a profundizar en el desarrollo de su estilo propio.

Se caracteriza por ser un artista autodidacta. Su obra es variada, de manera que abarca diferentes temas, como son: coches, paisaje, retratos... La cultura del automóvil se inspira en su pasión por los coches, teniendo como referente a Manu Campa. En cuanto a los retratos, se indaga con un estilo rompedor, que combina el realismo y lo abstracto, buscando el equilibrio entre ambos.

Sus obras sorprenden al público reflejando una constante evolución artística y personal. Además, traspasa al espectador a una realidad propia, plasmando la perfección, sentimientos, emociones y vivencias cotidianas, mostrando un recorrido particular.

Ana Hernando - España

Ana Hernando (Madrid 1969) es una escultora multidisciplinar con más de treinta años de trayectoria. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid en 1993, desarrolla sus obras buscando la esencia de las emociones.

Escultura, pintura, medalla, diseño… En todos sus trabajos la síntesis de la anatomía a través de volúmenes, planos, líneas y color, se recorre con un ritmo envolvente que conecta con el espectador hasta verse reflejado en ellas.
Diferentes formatos y materiales como bronce, madera, piedra, acrílico, acuarela, pastel, etc., que plasman con movimiento experiencias universales, con un lenguaje intenso y propio. Su lema: “Arte para vivir”.

Ana Solanas - España

Compromiso entre pintura y escultura, Solanas desarrolla sus obras con una técnica diferente y exclusiva utilizando la arena como base de trabajo. Así su pintura se hace untuosa, poderosa y sutil. Con tonalidades envolventes, explora la frontera entre lo místico y lo terrenal. Entre lo pasional y lo sensual.

Una representación delicada y refinada que entre sueño y realidad nos transporta a un universo estético particular. Una obra muy diferente que subraya la destreza y originalidad creativa de la artista.

André Graça Gomes - Portugal

Ahí está el evento. Imágenes en memoria de los hechos que ocurrieron en el Pasado. Pero la memoria altera y reconstruye permanentemente estos hechos, y los nuevos recuerdos sucesivos, y de ahí el pasado mismo. El trabajo de André Graça Gomes promueve una reflexión sobre el tiempo, la memoria y el artista. Más que una suspensión gráfica del tiempo, el trabajo de André Gomes así nos permite sorprender la interpretación muy dinámica que la memoria hace de la realidad, en un despliegue infinito de capas. Las obras asumen así una deriva nostálgica donde los personajes en las escenas deambulan en algún lugar entre la vida y la muerte; la luz y la sombra, el negro y el blanco. Es a través de la intención del artista a quien se le da este nuevo lugar: la obra de arte

Andrés Vijande – DgArt Gallery

Pintor nacido en Gijón en 1985, de formación autodidacta e inclinaciones abstracto- figurativas. Delegado de zona del Principado de Asturias del prestigioso grupo barcelonés Art Nou desde 2012. Titulado en Trabajo Social por la Universidad de Oviedo y en Mediación y Resolución de Conflictos por la Universidad Rey Juan Carlos de Madrid, une sus dos pasiones convencido del poder crítico y totalizador del arte ante las políticas y conflictos sociales, afirmando que es una gran herramienta ante las problemáticas de la ciudadanía.

Entusiasta buscador de los paisajes urbanos, envueltos en atmósferas neblinosas, a base de un estudiado contraste de tonos fríos y cálidos. De estilo melancólico, donde el mensaje se entrama con sentimientos arcaicos, produciendo en cada óleo una manera -y una técnica- muy personal.

Con una paleta perfectamente reducida obtiene un producto visual sumamente rico en sensaciones. Las pinceladas son sueltas y abren las formas para producir un efecto visual muy grato. Resalta su destreza en el manejo de la espátula, que logra planos más grandes y más abiertos. Trabaja con colores clave en cada una de sus obras, de esta forma logra homogeneizar la composición llegando al equilibrio.

Angel Raposo - España

Artista representado por Espacio Lupa.

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid obteniendo Premio Extraordinario de Licenciatura (2001-2006). Ha cursado el Máster de Arte, Creación e investigación (2007-2008) en la misma universidad donde ha sido colaborador honorífico en el Departamento de Pintura-Restauración en varias ocasiones, desempeñando tareas docentes. Ha obtenido diferentes becas de pintura destacando la Beca de la Fundación Antonio Gala para jóvenes creadores en Córdoba (2006-2007) y la beca de la Fundación Rodríguez Acosta en Granada (2008).

Ángel Raposo ha sido premiado en numerosos concursos de pintura de nivel nacional cuyas obras forman parte de los fondos artísticos de las distintas organizadores como la Fundación Amigos de Madrid, la Fundación Valparaiso, la Asociación de Pintores y Escultores de Madrid, el Ayto. de Granada, el Ayto. de Maracena, el Ayto. de Almendralejo, Ayto. de Sigüenza, Forum dos portugueses y Universidad Complutense de Madrid, entre otros. Entre sus últimas exposiciones destaca la participación en “Homenaje a Camilo José Cela en el Primer Centenario de su Nacimiento” Círculo de Bellas Artes, Madrid (2016), “El quijote viaja a Santo Domingo” Ayuntamiento de Molina de Segura (2019) y en Ayuntamiento de El Toboso (2019).

Angeles García - España

Siempre me sorprende el material que utilizo para contar las cosas, las posibilidades fluyen rápido. Mi respuesta es fusionarme con ella, iniciar un camino juntos, es la aventura que me pone en marcha.
Hombre + Materia + Sentimientos.
Hombre (su aspecto y naturaleza), Materia (tronco de derribo), Sentimientos (motor interno del ser humano) y mi aportación personal (conocimientos, experiencia y creatividad).
Proceso: Estudio, investigación y conclusión en donde aparece una nueva realidad (ESCULTURA).
El resultado NO TE DEJA INDIFERENTE.

Angeles Pujol - Argentina

Entiendo el Arte en todas sus expresiones como un modo directo de comunicar, proyectar y transformar el sentir humano más genuino. Con la facultad de atravesar barreras racionales que impactan, provocan un sin fin de ideas y emociones, tantas como el significado de cada quien las perciba. Es allí donde se produce la magia. Mediante lo concreto tangible, espectador y artista se combinan de un modo espontaneo y singular, en un universo extraordinario donde todo es posible.
Como artista de formación profesional, abordo mi labor partiendo de la inspiración que surge de la naturaleza, en la sincronía, tramas, patrones que veo representados en todos sus órdenes. La tensión y complemento de sus opuestos. Su simpleza en perfecta armonía, sin retacear su inocente belleza ignorando el transcurso del tiempo. Conoce su propósito y se rinde ante él. Se adapta impone permanentemente. Encuentro en ella una enorme fuente de estímulo. Rescato también los legados del hombre a lo largo de la historia y en como la ha interpretado.
Mis producciones artísticas develan una manera de trabajar, voy apropiándome de diversos materiales y descartes. Cuidadosamente los selecciono y recopilo, tejiendo texturas entre pinceladas. Responde a mi visión personal de reutilizar lo existente, para dar vida creando un nuevo orden.
Me permito experimentar, sorprender y confiar en lo espontaneo, yuxtaponer aquello que da testimonio de la contemporaneidad. Elementos ordinarios conectados de un modo extraordinario, un lenguaje que siento como propio, es mi modo de decir.
Simbolizan para mí la idea de que cada cosa o trae en sí mismo un propósito, pero por sí solo carece de sentido, piezas individuales que al estar orientadas en sintonía y equilibrio, funcionan como una renovada red que aumenta su maravilloso potencial enriquecedor. Organizo mis obras en series, de acuerdo a circunstancias y momentos que transito pongo atención en algún tema para indagar. Tengo especial interés en trasmitir mi inquietud, en el modo en que vivimos. Al cambio de paradigmas. Atentos a despertar y recuperar aquello que proviene de la fuente natural y lo intuitivo. La importancia de los legados como registro de lo aprendido, combinado con la mirada presente a una mayor conciencia de unicidad entre la naturaleza y el hombre

Antonella Viazzi - Uruguay

Nos consolidamos como una plataforma de proyectos que parte de la amistad y confianza con los artistas con los que trabajamos. La dinámica de trabajo es de manera colectiva donde todos aportamos ideas y el conocimiento específico en cada una de las áreas con el propósito de ofrecer una mirada holística de las artes y los oficios. Somos un colectivo de artistas multidisciplinarios liderados por la artista Antonella Viazzi.

Uno de los ejes del proyecto es el trabajo con materiales reciclados y la reutilización de objetos para darle una segunda mano. Nos movemos entre las áreas de artes visuales, fotografía, música, artes escénicas, entre otras.

Antonella Viazzi Espacio Cultural está insertado en un lugar energético, Punta del Este, Uruguay, donde las personas vuelcan sus conocimientos con generosidad y empatía para generar vínculos y proyectos que mejoren la calidad de vida de todos.

Cani Navarro - España

Su obra se construye a través de acontecimientos cotidianos, son narraciones urbanas. Es testigo de la huella que otras personas van depositando en las calles de la ciudad, en sus suelos, edificios, en sus paredes.

Construye y visualiza sus proyectos partiendo de naturalezas diversas, las desestructura y desnaturaliza para refundirlas y acoplarlas en otras nuevas, creando obras armoniosas y coloristas. Va contando historias ajenas, llenas de emotividad.

Parte de la fotografía pero manipula pictóricamente las obras, velando, diluyendo, descuadrando la imagen para luego completarla a su antojo.

No hay temas predeterminados, sus imágenes no son solo elegidas de acuerdo a su carga emotiva, sino a su capacidad de contar el dia a día, a su impacto visual en la sociedad, a su saturación, a la hiperactividad de las grandes ciudades. Trata de inquietar el alma para que el observador cree su propio mundo.

La obra de Cani Navarro, por lo tanto, debe contemplarse desde la perspectiva temporal del momento de su creación. Así, desde su inconformismo, nos plantea la influencia del entorno en la formación de nuestra percepción y mirada.

Carlos Fidalgo - Portugal

Autodidacta y apasionado de las bellas artes. Mi trabajo emerge en mi imaginación, generalmente técnica mixta, utilizando diversos materiales de plástico, yeso o madera pintados con pinturas de esmalte. Todos los trabajos son de mi propia imaginación y creación, el proceso imaginativo es el proceso que absorbe mi pasión y me impulsa a crear e innovar.
He participado en varias exposiciones colectivas e individuales desde el norte hasta el sur de Portugal, siempre con buenos comentarios sobre mis obras.

Christel Van Hemelrijck - DgArt Gallery

Christel Van Hemelrijck is a self-taught artist based in Mechelen, Belgium. She lived in Crete beginning of the nineties and still spends a lot of time there. The island is still a major source of inspiration.

Her work, a vibrant collection of abstract oil paintings, stands out by the use of texture, colour and light.

Those textures can be observed in het earlier series, mostly energetic and chaotic. The use of a palette knife is omnipresent in her earlier work.

The right kind of punk attitude brings us back to her younger self with a clin d'oeil to the music scene of the late seventies and early eighties.

She replaces black by the energetic use of plain colour, mostly red and blue as observed in her more recent series. No representation of classic sceneries but an outburst of raw emotions. Overwhelming monochromatic planes, intrusive and captivating.

Claudia Diez Roscelli - España

Color, aire, espacio y luz son los elementos con los que esta joven artista compone sus obras en las que naturaleza y cuerpo se funden conformando unas piezas frescas, delicadas y llenas vida. Claudia se vale de su amplia e internacional formación multidisciplinar (Bauhaus Universität, ual:Central Saint Martins, Utrecht Universitëit y KABK: the Royal Academy of Art. Graduada en Bellas Artes por la UCM y Máster en Dirección de Arte) para combinar la pintura, la fotografía y el dibujo en el proceso creativo de su producción artística.
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Colour, air, space and light are the elements with which this young artist composes her works in which nature and body merge forming fresh pieces, delicate and full of life. Claudia uses her extensive and international multidisciplinary training (Bauhaus Universität, ual: Central Saint Martins, Utrecht Universiteit & KABK: the Royal Academy of Art. Graduated in Fine Arts from the UCM and Master in Art Direction) to combine painting, photography and drawing in the creative process of her artistic production.

Daniel García Andersson - DgArt Gallery

Su carrera como artista comenzó alrededor de los años 80 con algunas exposiciones en Suecia. Los dibujos a lápiz y a tinta fueron su especialidad hasta mediados de los años 90, pero tras ello cambió de estilo al comenzar a pintar con oleo y acrílico. En su estudio en Estocolmo y España pinta motivos urbanos, paisajes y arte moderno con colores muy llamativos, y su arte impresionista ha sido vendido a personas por todo el mundo.

Daniella Broseghini - Italia|Brasil

La artista juega con el imaginario, utilizando capas sobre capas como estructuras que modifica o altera progresivamente, fragmentando la pintura pero manteniendo su identidad.
Su obra alberga porciones tanto de objetos como de recuerdos, entrelazados, superpuestos, escondidos unos sobre otros …, que poco a poco se van revelando; permitiendo al observador conectarse profundamente con el arte a través de su propia mirada.
Daniela Broseghini ha sido premiada en la Muestra Internacional de Arte Ultratual. Museo de arte de Brasilia MAB, Brasil y en el Salón Internacional de Artes Plásticas de Rio de Janeiro. Brasil.

DgArt Gallery - España | Suecia

DgArt Gallery inicia su andadura en 2005 en Estocolmo (Suecia) con el principal objetivo de dar a conocer e instaurar un punto de encuentro para el arte sueco y español. Por sus paredes han pasado un extenso abanico de artistas contemporáneos con conocido prestigio nacional e internacional y jóvenes e inquietos artistas que han crecido con la galería, desde su fundación hasta el día de hoy.
En 2005, su fundador, Daniel García Andersson, después de llevar tiempo involucrado en el mundo del arte sueco con publicaciones y diversos proyectos, decide abrir una galería de arte en una antigua casa de finales del siglo XVI en Estocolmo, la capital mundialmente reconocida como la cuna del diseño y moda. En 2017 amplía su red de galerías abriendo una más en Gijón, al norte de España, donde abrazará a nuevos artistas con proyectos, exposiciones, competiciones juradas, ferias de arte… y quién sabe las puertas que se abrirán en el futuro.

Dunia Vera - España

Siempre he estado vinculada al arte dado que he compaginado mi vida profesional como interiorista y diseñadora con la creación plástica.
Mi proceso creativo se desarrolla de dentro hacia afuera con inevitables influencias del entorno, es una pintura intuitiva e intimista. Mi evolución artística me ha llevado a utilizar texturas y relieves que me ayudan a plasmar mis vivencias interiores.
Dejo que mis obras hablen por mí.

E.Cultural Antonella Viazzi - Uruguay

ENCARNA CAMPESINO - España

La mayor parte de mi obra se basa en el Dibujo: esta técnica permite una gran minuciosidad y crear ambientes mediante las gradaciones del claroscuro. Mis dibujos son figurativos y están cargados de simbolismo mediante un insistente empleo del color azul y elementos metafóricos como las cuerdas. Otra de las facetas que desarrollo es el retrato, destacando una serie de rostros que conforman la historia más brillante del León contemporáneo. Progresivamente he evolucionado hacia un aumento del realismo y detallismo; en este sentido, considero que los ojos pueden decir casi todo: un personaje puede expresar con su mirada todo aquello que se descubre más allá de su personalidad, y me emociona encontrar en el dibujo su otra realidad. Los grabados también conforman parte de mi producción artística, y en ellos los temas tratados suelen ser intimistas y simbólicos.

EULALIA PARRA - España

Mi producción artística se manifiesta en obras de distintas técnicas: Grabado, pintura, instalaciones, Dibujo y sobre todo Fotografía, que la entiendo como un potente medio de expresión artística. Llevo gran parte de mi vida con una cámara en la mano . No busco las imágenes, las encuentro en los edificios ruinosos, en los troncos de los árboles, en los reflejos del agua, en los metales oxidados… Me apasionan las texturas.
Mi obra se mueve entre la imaginación y la observación. Me gusta fotografiar aportando una visión personal estética, buscando un sentido poético en las imágenes. Utilizo la fotografía como una forma de traducir en imágenes lo que siento. En las obras intento aunar lo abstracto y lo concreto. Me gusta cambiar las proporciones o el sentido de los elementos, utilizar los grandes formatos o ampliar pequeños detalles..

Elena Caicoya - España

"Las búsquedas de la belleza en lo aparentemente muerto o decadente, re significando los espacios y objetos, otorgándoles una nueva vida. Los mensajes y voces que los muros y calles de las ciudades guardan, donde se esconden gritos de personas que sienten la necesidad de expresarse. Palabras dentro de palabras en formas de advertencia, que hacen de guía a la fugacidad y señalan caminos inertes al caos.
Mi trabajo es un reclamo a la detención, a la parálisis, es la búsqueda de la necesidad de pararse, de detenerse en el aquí y ahora de una forma respetuosa al momento. La mirada y reflexión en él instante. Dar una perspectiva de la realidad a través de la educación visual, mostrando distintas formas de los modos de ver y de observar."

Erick Miraval - Perú

Artista representado por Espacio Lupa.

Nace en Huánuco, Perú en 1982. Estudia en la Escuela Superior de Bellas Artes de Perú y continúa su formación en la Facultad de Bellas Artes de la UCM, obteniendo el Premio Extraordinario de fin de Carrera en el 2009 y realiza el máster MAC+i en arte, creación e investigación.

Ha ganado diversos premios, y expuesto en diversas ferias y eventos en Europa y Latinoamérica. Fue residente artístico para CONACULTA en México en el programa FONCA, en la Fundación Antonio Gala en Córdoba, y en la Fundación Rodríguez Acosta en Granada. Ha colaborado con la Fundación Marcelino Botín y la Fundación Telefónica. Trabajado para el Parlamento Europeo, empresas como Maseratti, y en Orquestas Sinfónicas como la OCNE, Juventas, y diversos Ayuntamientos con proyectos de Live painting, como Elogio a la Espalda o Make making of.

Actualmente reside en Madrid, en donde tiene su taller y desarrolla su rabajo como Artista y docente.

Espacio Lupa - España

LUPA es una plataforma de creación artística situada en Lugo, el espacio dispone diversas herramientas dirigidas a la producción artística, ofrece la posibilidad de la cesión del espacio por horas o proyecto, o la
ocupación temporal según disposición.

Dispone de un espacio de carpintería con gran amplitud de herramientas, diversas zonas de trabajo según la necesidad requerida, orientados a la creación visual, fotografía y gráfica contemporánea, laboratorio fotográfico analógico y servicios de impresión personalizado en alta resolución.

LUPA, además ofrece servicio profesional especializado en coordinación y dirección de eventos culturales, montaje de exposiciones, embalaje a medida, gestión del seguro y logística de obras de arte, prestando atención a todas las acciones y
movimientos necesarios para que todo aquello que forma parte de un evento cultural esté en el momento previsto.

Eugenia Köhler - Argentina

Maria Eugenia Köhler, Nació en Buenos Aires, Argentina. Es Técnica Superior en Artes Visuales. Estudio en Nueva Escuela de Diseño y Comunicación. Su obra ha sido compartida con el público en varias ocasiones: en Buenos Aires en 2017 coincidiendo con la Noche de los Museos, en 2018 fueron seleccionadas tres de sus obras para un libro de artistas publicado en Madrid, actualmente expone obras también el Circuit Artist de Barcelona.

FAN - Françoise Fadeur - Bélgica

Artista Belga, viajadora, trabaja sobre la improbabilidad. Su obra se construye poco a poco, con intuición, todo aparece como si ya existiera. Escuchando la melodía de su corazón crea un mundo extraño y a la vez luminoso, frágil y duro. Como un encaje, una trama. Círculos, ciclos, sonidos, ondas, universalidad.

Se sumerge en el conjunto de las posibilidades, en universos invisibles
pero visible por su luz. Donde todo es precioso, donde todo se crea. En el vacío, en su encaje, en su totalidad…

En búsqueda de lo infinito, de lo infinitamente posible, excediendo su finitud, y terminado por su propio fin “naturaleza”

Definido por casualidad, el destino se basa en el misterio, en lo divino ... dimensión espiritual, energía primitiva, la historia está escrita y abre las múltiples puertas.

Fermín Peláez - España

Trabajé el acero durante toda mi vida laboral, montando tuberías en grandes dimensiones y trazando figuras geométricas en chapa. Siempre pensé que con acero y soldadura podría hacer esculturas, sentía que podía darles una vida totalmente diferente. El hierro y el acero son materiales muy duros y pesados, pero para mí es una gran satisfacción trabajarlos, son materiales de belleza extraordinaria.

Fernando Gomez Berguio - España

Mi trayectoria artística comienza en los años 80, y desde entonces he pasado por varias etapas en las que he ido realizando cambios en estilos, materiales y temáticas.
MI gran inquietud e inconformismo se muestra en mis obras ; donde se refleja un proceso de cambio constante. Como consecuencia de ello, de manera simultánea se invierten etapas en mi vida sin un orden ni lógica, pero que me aportan un desarrollo y próspero resultado personal en mi perfil como artista.

GRUPO NOSOTRAS - España

El Grupo NOSOTRAS lo formamos en el año 2006 nueve artistas con personalidades muy diferenciadas y en él cada una conserva su individualidad y su libertad expresiva como condición básica para una creación sin dogmatismos, ni en el uso de diferentes técnicas, ni en la identificación con distintos movimientos artísticos. Desde el punto de vista plástico nuestras obras abarcan estilos que llevan de la imagen académica a la digital. Así el grupo muestra, simultáneamente, obras conceptuales junto a obras en las que predomina lo táctil y sensual, imágenes fotográficas junto a obras de factura clásica, hiperrealista o simbólica. El hecho de ser todas licenciadas en Bellas Artes y seguir caminos paralelos, nos lleva a compartir nuestras inquietudes creativas con un único objetivo: HACER ARTE. De este modo nuestras vivencias han facilitado una red de comunicación que hemos hecho cristalizar en un proyecto artístico de grupo con plena libertad creativa.

Galería VESANIART - Suiza | España

El nombre de VESANIART procede del latinismo “vesania,” vocablo femenino rico y complejo. Representa la pasión para acometer el arte de la vida; sin arte, la pasión se volvería locura o en todo caso furia.
VESANIART es galería virtual por vocación, presente especialmente en España y Suiza.
Promocionamos la obra de artistas tanto emergentes como consagrados comprometidos con la creación, al margen de etiquetas. Estamos tan cuerdos que no distinguimos las distintas orillas donde se produce la creación artística.
VESANIART comisiona exposiciones, participa en ferias, asesora a coleccionistas y colabora en arte con Radio Internacional y Style Internacional.

Galit Garzón - Venezuela

Desde pequeña siempre fui una niña muy curiosa y con ganas de saber el porqué de las cosas. A temprana edad pude capturar que la creatividad se movía por mis venas, haya sido a favor de las reglas o en contra, el sentido de llevar mi imaginación fuera de las casillas era mi punto de partida. A raíz de este “hambre” por crear, me involucre en el mundo artístico por experimentación recreacional.

Gracias a ello, encontré una fascinación por el ser humano, su cuerpo y su conducta. Mis creaciones son ilimitadas y combino distintas disciplinas (como fotografía, pintar, arte digital, collages, entre otros..), haciendo cada una de ellas una pieza única. Actualmente, estoy dedicada a dos colecciones distintas pero que van de la mano, ya que ambas son un puente a mi evolución y desarrollo como artista.

Gonzalo Martín-Peñasco - España

Siempre el arte estuvo representado a lo largo de su vida, complementando primero licenciatura como Arquitecto y Diseñador de Interiores. Posteriormente mastér en infoarquitectura y diversos tipos de cursos, desde escaparatismo a diseño gráfico.
Siguiendo con su carrera, enfocado en el diseño, trabajando en diferentes estudios como diseñador, escenógrafo, visual merchandiser, escaparatista…
Gonzalo fue seleccionado para una exposición conjunta en Tarragona, continuando con otra obra seleccionada para exponer en Granada. Deseando seguir con esta trayectoria en pintura y poder mostrar al mundo su visión.

González de la Tijera - México

Ha participado en diversas exposiciones colectivas e individuales, así como subastas de arte. Su tema lo ha llevado a exponer en el extranjero, patrocinado por la New Orleans Jazz and Heritage Foundation y el Consulado de México.

Ha impartido diversos cursos de Dibujo de la Figura y Técnicas de
Pintura al Óleo, así como conferencias y seminarios.
Actualmente es artista de las galerías Texas Treasures Fine Art en Boerne, TX. y Nollan Rankin Gallery en Houston, TX.

Ganador del Primer Lugar de la Primera Bienal Internacional de Pintura de México, A.C.

Graciela E. Geller - Argentina

Mi pintura se relaciona específicamente con culturas ancestrales, sagradas y mágicas de los pueblos originarios. Mi desarrollo formal se estructura en el dibujo de imágenes con trazos ligados al automatismo, que dejan que mi imaginario utilice elementos de simbología arquetípica. Trabajo tanto en grandes formatos como en pequeños, utilizando poca materia pictórica, de un modo intenso, minucioso, preciso y pausado. De alguna manera es acumulativo y casi barroco.

Automatismo y observación. La contemplación como punto de partida para la inspiración creativa. Dibujo sobre lienzo con lo que me inspira. Trabajo con líneas fluidas, con grafismos que le da una impronta de dinamismo a la figura, no hay nada estático. La pintura está activa, tiene un trazo sensible usando la técnica del grafismo. Al aparecer el automatismo van apareciendo figuras del inconsciente que voy recuperando y trabajo sobre estas.

Gus Gracey - España

Gus Gracey (1963) pintor y escultor autodidacta, dedicado en exclusiva a la pintura y escultura desde 2009, ha desarrollado su carrera creativa entre Londres y Madrid, donde ahora reside. Su pintura ha desarrollado una clara línea ascendente desde sus inicios, caracterizándose por una marcada búsqueda evolutiva que le ha llevado desde su inicio expresionista figurativo, hasta su momento actual que se desarrolla entre la abstracción, el collage y el aprovechamiento de distintos materiales y soportes hasta desarrollar una muy personal expresividad compositiva en sus últimos trabajos.

Helena Maclean - España

Maclean es una Artista plástica, diseñadora y pintora inglesa de ascendencia escocesa afincada en Madrid. Se formó en Diseño de Interiores I.A.D.E de Madrid, primero y en la Academia de Cine de Nueva York, después.

Presentó su primera muestra individual en2003. Desde entonces y hasta la fecha ha estado exponiendo de forma permanente en Madrid, y en diferentes centros culturales de Castilla- La Mancha. En paralelo, ha llevado a cabo diversas exposiciones colectivas en España, de las cuales destacamos la exposición sobre ̈ la mujer y su influencia ́, en el Cuartel Conde Duque. En el año 2006 hace su primera exposición internacional con una colectiva en Paris, ̈Encuentro de Pintores Europeos ̈. Es en 2017 cuando comienza a exponer en ferias de Arte como Art Fair Málaga, BERLINER LISTE o HYBRID ART FAIR FESTIVAL.

Como artista plástica, siempre me ha interesado la arquitectura desde un punto de vista plástico. Creo que el concepto de “arquitectura deconstructiva” aúna de una forma muy completa ambos. El concepto de deconstrucción es participe a la vez de la filosofía y de la literatura. Aunque el término fue utilizado por Heidegger, es la obra de Derrida la que ha sistematizado su uso y teorizado su práctica.
Es curioso como el hombre construye y la luz lo transforma ante nuestros ojos. De alguna manera la naturaleza parece entrar en conflicto con las ciudades que emergen.

Las 4 Torres de Madrid han sido una auténtica obsesión en mi pintura y me emociona haber presenciado su construcción. Me han motivado a crear múltiples cuadros con diferentes texturas y colores, diferentes técnicas que se han ido abstrayendo y desintegrando en grandes murales con un mosaico de lienzos.

En 2020 las 4 Torres pasarán a ser 5, a lo que hago referencia en mi cuadro “La 5a Torre.”

IART Iñigo Arístegui - San Sebastián

Ha participado en exposiciones colectivas e individuales en España y Europa durante más de 20 años.
Su parcour, impregnado de una extrema sensibilidad, en la búsqueda del espacio, hace de su Arte un modelo de originalidad, sin influencia de modas y tendencias.
Con proyección internacional exportando a países de todo el mundo mostrando su obra profundamente enraizada en el alma. Plasma la fuerza y la pasión de la cultura vasca en sus conceptos escultóricos.