galerías | artistas participantes en ARTIST 2020
(participación actualizada a : 21/11/2019 )
Ahmad Ghoreishi - Irán
Destruir, de-construir, construir, deshacer… esta podría ser la secuencia aleatoria o no, en el trabajo de este artista rotundo: escultor, arquitecto, pintor y poeta, para mostrar de una manera pasional lo que hierve en su interior.
La obra de Ahmad Ghoreishi es pacifica, musical, elegante, intima, rápida, brillante, radical, equilibrada, inteligente, divertida, irónica, bella, profunda.
Entrar en la obra de Ahmad es iniciar un viaje del que no tendremos control, Antonio Yesa
La obra de Ahmad Ghoreishi es pacifica, musical, elegante, intima, rápida, brillante, radical, equilibrada, inteligente, divertida, irónica, bella, profunda.
Entrar en la obra de Ahmad es iniciar un viaje del que no tendremos control, Antonio Yesa
Alain Cugnenc - Francia
Las perspectivas fotográficas intensas y la paleta de colores exagerados caracterizan la obra del artista, cuyo trabajo se define por el uso de la anatomía humana como un instrumento mas y exactamente igual que los pinceles y sus botes de pintura.
El cuerpo se vuelve un lenguaje que a través de retratos, figuras enteras y fragmentos permiten que las obras hablen de distintas temáticas; desde los sentimientos más personales del artista hasta dimensiones sociales.
Los trabajos más recientes nacen a través de una búsqueda fotográfica sobre el impactante fenómeno migratorio que protagoniza nuestro siglo.
En estas imágenes la mirada del artista se ha centrado en las manos que para él representan un importante medio de comunicación, expresando desde desesperación hasta el deseo de lucha, libertad y reivindicación.
El cuerpo se vuelve un lenguaje que a través de retratos, figuras enteras y fragmentos permiten que las obras hablen de distintas temáticas; desde los sentimientos más personales del artista hasta dimensiones sociales.
Los trabajos más recientes nacen a través de una búsqueda fotográfica sobre el impactante fenómeno migratorio que protagoniza nuestro siglo.
En estas imágenes la mirada del artista se ha centrado en las manos que para él representan un importante medio de comunicación, expresando desde desesperación hasta el deseo de lucha, libertad y reivindicación.
Albert Costa - España
Soy un artista que se centra en las vanguardias más contemporáneas de acuerdo al contexto artístico actual. En la fotografía busco destacar la parte más estética y conceptual, siempre con un significado donde se rompen los cánones más conservadores.
En la pintura fusiono parte estética y conceptual. En primer lugar me centro en el proyecto a desarrollar, y después en su significado. Una vez desarrollado el proyecto, me centro en las obras. El color y la forma crean sutiles y diversas atmosferas con un significado que quiero que empatice y transmita sensaciones y emociones al espectador.
En la pintura fusiono parte estética y conceptual. En primer lugar me centro en el proyecto a desarrollar, y después en su significado. Una vez desarrollado el proyecto, me centro en las obras. El color y la forma crean sutiles y diversas atmosferas con un significado que quiero que empatice y transmita sensaciones y emociones al espectador.
Ana Hernando - España
Ana Hernando (Madrid 1969) es una escultora multidisciplinar con más de treinta años de trayectoria. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid en 1993, desarrolla sus obras buscando la esencia de las emociones.
Escultura, pintura, medalla, diseño… En todos sus trabajos la síntesis de la anatomía a través de volúmenes, planos, líneas y color, se recorre con un ritmo envolvente que conecta con el espectador hasta verse reflejado en ellas.
Diferentes formatos y materiales como bronce, madera, piedra, acrílico, acuarela, pastel, etc., que plasman con movimiento experiencias universales, con un lenguaje intenso y propio. Su lema: “Arte para vivir”.
Escultura, pintura, medalla, diseño… En todos sus trabajos la síntesis de la anatomía a través de volúmenes, planos, líneas y color, se recorre con un ritmo envolvente que conecta con el espectador hasta verse reflejado en ellas.
Diferentes formatos y materiales como bronce, madera, piedra, acrílico, acuarela, pastel, etc., que plasman con movimiento experiencias universales, con un lenguaje intenso y propio. Su lema: “Arte para vivir”.
André Graça Gomes - Portugal
Ahí está el evento. Imágenes en memoria de los hechos que ocurrieron en el Pasado. Pero la memoria altera y reconstruye permanentemente estos hechos, y los nuevos recuerdos sucesivos, y de ahí el pasado mismo. El trabajo de André Graça Gomes promueve una reflexión sobre el tiempo, la memoria y el artista. Más que una suspensión gráfica del tiempo, el trabajo de André Gomes así nos permite sorprender la interpretación muy dinámica que la memoria hace de la realidad, en un despliegue infinito de capas. Las obras asumen así una deriva nostálgica donde los personajes en las escenas deambulan en algún lugar entre la vida y la muerte; la luz y la sombra, el negro y el blanco. Es a través de la intención del artista a quien se le da este nuevo lugar: la obra de arte
Angel Raposo - España
Artista representado por Espacio Lupa.
Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid obteniendo Premio Extraordinario de Licenciatura (2001-2006). Ha cursado el Máster de Arte, Creación e investigación (2007-2008) en la misma universidad donde ha sido colaborador honorífico en el Departamento de Pintura-Restauración en varias ocasiones, desempeñando tareas docentes. Ha obtenido diferentes becas de pintura destacando la Beca de la Fundación Antonio Gala para jóvenes creadores en Córdoba (2006-2007) y la beca de la Fundación Rodríguez Acosta en Granada (2008).
Ángel Raposo ha sido premiado en numerosos concursos de pintura de nivel nacional cuyas obras forman parte de los fondos artísticos de las distintas organizadores como la Fundación Amigos de Madrid, la Fundación Valparaiso, la Asociación de Pintores y Escultores de Madrid, el Ayto. de Granada, el Ayto. de Maracena, el Ayto. de Almendralejo, Ayto. de Sigüenza, Forum dos portugueses y Universidad Complutense de Madrid, entre otros. Entre sus últimas exposiciones destaca la participación en “Homenaje a Camilo José Cela en el Primer Centenario de su Nacimiento” Círculo de Bellas Artes, Madrid (2016), “El quijote viaja a Santo Domingo” Ayuntamiento de Molina de Segura (2019) y en Ayuntamiento de El Toboso (2019).
Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid obteniendo Premio Extraordinario de Licenciatura (2001-2006). Ha cursado el Máster de Arte, Creación e investigación (2007-2008) en la misma universidad donde ha sido colaborador honorífico en el Departamento de Pintura-Restauración en varias ocasiones, desempeñando tareas docentes. Ha obtenido diferentes becas de pintura destacando la Beca de la Fundación Antonio Gala para jóvenes creadores en Córdoba (2006-2007) y la beca de la Fundación Rodríguez Acosta en Granada (2008).
Ángel Raposo ha sido premiado en numerosos concursos de pintura de nivel nacional cuyas obras forman parte de los fondos artísticos de las distintas organizadores como la Fundación Amigos de Madrid, la Fundación Valparaiso, la Asociación de Pintores y Escultores de Madrid, el Ayto. de Granada, el Ayto. de Maracena, el Ayto. de Almendralejo, Ayto. de Sigüenza, Forum dos portugueses y Universidad Complutense de Madrid, entre otros. Entre sus últimas exposiciones destaca la participación en “Homenaje a Camilo José Cela en el Primer Centenario de su Nacimiento” Círculo de Bellas Artes, Madrid (2016), “El quijote viaja a Santo Domingo” Ayuntamiento de Molina de Segura (2019) y en Ayuntamiento de El Toboso (2019).
Abraham Benzadón - España
Las obras de A.Benzadón, en sus diferentes estilos y técnicas, mantienen un lenguaje muy personal que reflejan la búsqueda de espacios armónicos, limpios, coherentes, con equidad y energía, que llenan de contenido la levedad del ser en una búsqueda metafísica que trasciende a lo místico o espiritual.
Sus Obras nos hablan de los valores humanos, depositados en la personas, de su responsabilidad como ser humano y de la condición de la vida, de su fragilidad y al mismo tiempo de su poder, en esa lucha constante por el equilibrio y progreso en la búsqueda de la excelencia.
El movimiento, la luz, la libertad según la percepción humana nos hablan también, del paso del tiempo y de su importancia como valor. Las transparencias y luminosidad de algunos materiales reflejan conceptos de intimidad, de búsqueda de la luz y la claridad en el misterio que encierra las obras de arte y de la propia vida.
El artista no busca encasillarse sólo en un lenguaje, sino que prefiere la inquietud del constante proceso creativo para descubrir nuevas sensaciones y reflexiones intelectuales. En este sentido, las obras de A. Benzadón se aventuran en diferentes caminos contemporáneos: Obras óptico-cinéticas, figuración minimalista, obra conceptual, esculturas móviles, obras Pop Art, expresionismo... en esa búsqueda e inquietud que nos hacen reflexionar sobre la magia y el alma de las obras de arte. "El arte , no es lo que vemos es lo que sentimos"
Sus Obras nos hablan de los valores humanos, depositados en la personas, de su responsabilidad como ser humano y de la condición de la vida, de su fragilidad y al mismo tiempo de su poder, en esa lucha constante por el equilibrio y progreso en la búsqueda de la excelencia.
El movimiento, la luz, la libertad según la percepción humana nos hablan también, del paso del tiempo y de su importancia como valor. Las transparencias y luminosidad de algunos materiales reflejan conceptos de intimidad, de búsqueda de la luz y la claridad en el misterio que encierra las obras de arte y de la propia vida.
El artista no busca encasillarse sólo en un lenguaje, sino que prefiere la inquietud del constante proceso creativo para descubrir nuevas sensaciones y reflexiones intelectuales. En este sentido, las obras de A. Benzadón se aventuran en diferentes caminos contemporáneos: Obras óptico-cinéticas, figuración minimalista, obra conceptual, esculturas móviles, obras Pop Art, expresionismo... en esa búsqueda e inquietud que nos hacen reflexionar sobre la magia y el alma de las obras de arte. "El arte , no es lo que vemos es lo que sentimos"
Angeles García - España
Siempre me sorprende el material que utilizo para contar las cosas, las posibilidades fluyen rápido. Mi respuesta es fusionarme con ella, iniciar un camino juntos, es la aventura que me pone en marcha.
Hombre + Materia + Sentimientos.
Hombre (su aspecto y naturaleza), Materia (tronco de derribo), Sentimientos (motor interno del ser humano) y mi aportación personal (conocimientos, experiencia y creatividad).
Proceso: Estudio, investigación y conclusión en donde aparece una nueva realidad (ESCULTURA).
El resultado NO TE DEJA INDIFERENTE.
Hombre + Materia + Sentimientos.
Hombre (su aspecto y naturaleza), Materia (tronco de derribo), Sentimientos (motor interno del ser humano) y mi aportación personal (conocimientos, experiencia y creatividad).
Proceso: Estudio, investigación y conclusión en donde aparece una nueva realidad (ESCULTURA).
El resultado NO TE DEJA INDIFERENTE.
Angeles Pujol - Argentina
Entiendo el Arte en todas sus expresiones como un modo directo de comunicar, proyectar y transformar el sentir humano más genuino. Con la facultad de atravesar barreras racionales que impactan, provocan un sin fin de ideas y emociones, tantas como el significado de cada quien las perciba. Es allí donde se produce la magia. Mediante lo concreto tangible, espectador y artista se combinan de un modo espontaneo y singular, en un universo extraordinario donde todo es posible.
Como artista de formación profesional, abordo mi labor partiendo de la inspiración que surge de la naturaleza, en la sincronía, tramas, patrones que veo representados en todos sus órdenes. La tensión y complemento de sus opuestos. Su simpleza en perfecta armonía, sin retacear su inocente belleza ignorando el transcurso del tiempo. Conoce su propósito y se rinde ante él. Se adapta impone permanentemente. Encuentro en ella una enorme fuente de estímulo. Rescato también los legados del hombre a lo largo de la historia y en como la ha interpretado.
Mis producciones artísticas develan una manera de trabajar, voy apropiándome de diversos materiales y descartes. Cuidadosamente los selecciono y recopilo, tejiendo texturas entre pinceladas. Responde a mi visión personal de reutilizar lo existente, para dar vida creando un nuevo orden.
Me permito experimentar, sorprender y confiar en lo espontaneo, yuxtaponer aquello que da testimonio de la contemporaneidad. Elementos ordinarios conectados de un modo extraordinario, un lenguaje que siento como propio, es mi modo de decir.
Simbolizan para mí la idea de que cada cosa o trae en sí mismo un propósito, pero por sí solo carece de sentido, piezas individuales que al estar orientadas en sintonía y equilibrio, funcionan como una renovada red que aumenta su maravilloso potencial enriquecedor. Organizo mis obras en series, de acuerdo a circunstancias y momentos que transito pongo atención en algún tema para indagar. Tengo especial interés en trasmitir mi inquietud, en el modo en que vivimos. Al cambio de paradigmas. Atentos a despertar y recuperar aquello que proviene de la fuente natural y lo intuitivo. La importancia de los legados como registro de lo aprendido, combinado con la mirada presente a una mayor conciencia de unicidad entre la naturaleza y el hombre
Como artista de formación profesional, abordo mi labor partiendo de la inspiración que surge de la naturaleza, en la sincronía, tramas, patrones que veo representados en todos sus órdenes. La tensión y complemento de sus opuestos. Su simpleza en perfecta armonía, sin retacear su inocente belleza ignorando el transcurso del tiempo. Conoce su propósito y se rinde ante él. Se adapta impone permanentemente. Encuentro en ella una enorme fuente de estímulo. Rescato también los legados del hombre a lo largo de la historia y en como la ha interpretado.
Mis producciones artísticas develan una manera de trabajar, voy apropiándome de diversos materiales y descartes. Cuidadosamente los selecciono y recopilo, tejiendo texturas entre pinceladas. Responde a mi visión personal de reutilizar lo existente, para dar vida creando un nuevo orden.
Me permito experimentar, sorprender y confiar en lo espontaneo, yuxtaponer aquello que da testimonio de la contemporaneidad. Elementos ordinarios conectados de un modo extraordinario, un lenguaje que siento como propio, es mi modo de decir.
Simbolizan para mí la idea de que cada cosa o trae en sí mismo un propósito, pero por sí solo carece de sentido, piezas individuales que al estar orientadas en sintonía y equilibrio, funcionan como una renovada red que aumenta su maravilloso potencial enriquecedor. Organizo mis obras en series, de acuerdo a circunstancias y momentos que transito pongo atención en algún tema para indagar. Tengo especial interés en trasmitir mi inquietud, en el modo en que vivimos. Al cambio de paradigmas. Atentos a despertar y recuperar aquello que proviene de la fuente natural y lo intuitivo. La importancia de los legados como registro de lo aprendido, combinado con la mirada presente a una mayor conciencia de unicidad entre la naturaleza y el hombre
Antonella Viazzi - Uruguay
Nos consolidamos como una plataforma de proyectos que parte de la amistad y confianza con los artistas con los que trabajamos. La dinámica de trabajo es de manera colectiva donde todos aportamos ideas y el conocimiento específico en cada una de las áreas con el propósito de ofrecer una mirada holística de las artes y los oficios. Somos un colectivo de artistas multidisciplinarios liderados por la artista Antonella Viazzi.
Uno de los ejes del proyecto es el trabajo con materiales reciclados y la reutilización de objetos para darle una segunda mano. Nos movemos entre las áreas de artes visuales, fotografía, música, artes escénicas, entre otras.
Antonella Viazzi Espacio Cultural está insertado en un lugar energético, Punta del Este, Uruguay, donde las personas vuelcan sus conocimientos con generosidad y empatía para generar vínculos y proyectos que mejoren la calidad de vida de todos.
Uno de los ejes del proyecto es el trabajo con materiales reciclados y la reutilización de objetos para darle una segunda mano. Nos movemos entre las áreas de artes visuales, fotografía, música, artes escénicas, entre otras.
Antonella Viazzi Espacio Cultural está insertado en un lugar energético, Punta del Este, Uruguay, donde las personas vuelcan sus conocimientos con generosidad y empatía para generar vínculos y proyectos que mejoren la calidad de vida de todos.
Antonio Alza - Uruguay
Artista representado por Espacio Cultural Antonella Viazzi - Uruguay
Cani Navarro - España
Su obra se construye a través de acontecimientos cotidianos, son narraciones urbanas. Es testigo de la huella que otras personas van depositando en las calles de la ciudad, en sus suelos, edificios, en sus paredes.
Construye y visualiza sus proyectos partiendo de naturalezas diversas, las desestructura y desnaturaliza para refundirlas y acoplarlas en otras nuevas, creando obras armoniosas y coloristas. Va contando historias ajenas, llenas de emotividad.
Parte de la fotografía pero manipula pictóricamente las obras, velando, diluyendo, descuadrando la imagen para luego completarla a su antojo.
No hay temas predeterminados, sus imágenes no son solo elegidas de acuerdo a su carga emotiva, sino a su capacidad de contar el dia a día, a su impacto visual en la sociedad, a su saturación, a la hiperactividad de las grandes ciudades. Trata de inquietar el alma para que el observador cree su propio mundo.
La obra de Cani Navarro, por lo tanto, debe contemplarse desde la perspectiva temporal del momento de su creación. Así, desde su inconformismo, nos plantea la influencia del entorno en la formación de nuestra percepción y mirada.
Construye y visualiza sus proyectos partiendo de naturalezas diversas, las desestructura y desnaturaliza para refundirlas y acoplarlas en otras nuevas, creando obras armoniosas y coloristas. Va contando historias ajenas, llenas de emotividad.
Parte de la fotografía pero manipula pictóricamente las obras, velando, diluyendo, descuadrando la imagen para luego completarla a su antojo.
No hay temas predeterminados, sus imágenes no son solo elegidas de acuerdo a su carga emotiva, sino a su capacidad de contar el dia a día, a su impacto visual en la sociedad, a su saturación, a la hiperactividad de las grandes ciudades. Trata de inquietar el alma para que el observador cree su propio mundo.
La obra de Cani Navarro, por lo tanto, debe contemplarse desde la perspectiva temporal del momento de su creación. Así, desde su inconformismo, nos plantea la influencia del entorno en la formación de nuestra percepción y mirada.
Carlos Fidalgo - Portugal
Autodidacta y apasionado de las bellas artes. Mi trabajo emerge en mi imaginación, generalmente técnica mixta, utilizando diversos materiales de plástico, yeso o madera pintados con pinturas de esmalte. Todos los trabajos son de mi propia imaginación y creación, el proceso imaginativo es el proceso que absorbe mi pasión y me impulsa a crear e innovar.
He participado en varias exposiciones colectivas e individuales desde el norte hasta el sur de Portugal, siempre con buenos comentarios sobre mis obras.
He participado en varias exposiciones colectivas e individuales desde el norte hasta el sur de Portugal, siempre con buenos comentarios sobre mis obras.
Claudia Diez Roscelli - España
Color, aire, espacio y luz son los elementos con los que esta joven artista compone sus obras en las que naturaleza y cuerpo se funden conformando unas piezas frescas, delicadas y llenas vida. Claudia se vale de su amplia e internacional formación multidisciplinar (Bauhaus Universität, ual:Central Saint Martins, Utrecht Universitëit y KABK: the Royal Academy of Art. Graduada en Bellas Artes por la UCM y Máster en Dirección de Arte) para combinar la pintura, la fotografía y el dibujo en el proceso creativo de su producción artística.
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Colour, air, space and light are the elements with which this young artist composes her works in which nature and body merge forming fresh pieces, delicate and full of life. Claudia uses her extensive and international multidisciplinary training (Bauhaus Universität, ual: Central Saint Martins, Utrecht Universiteit & KABK: the Royal Academy of Art. Graduated in Fine Arts from the UCM and Master in Art Direction) to combine painting, photography and drawing in the creative process of her artistic production.
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Colour, air, space and light are the elements with which this young artist composes her works in which nature and body merge forming fresh pieces, delicate and full of life. Claudia uses her extensive and international multidisciplinary training (Bauhaus Universität, ual: Central Saint Martins, Utrecht Universiteit & KABK: the Royal Academy of Art. Graduated in Fine Arts from the UCM and Master in Art Direction) to combine painting, photography and drawing in the creative process of her artistic production.
Daniel García Andersson - DgArt Gallery
Su carrera como artista comenzó alrededor de los años 80 con algunas exposiciones en Suecia. Los dibujos a lápiz y a tinta fueron su especialidad hasta mediados de los años 90, pero tras ello cambió de estilo al comenzar a pintar con oleo y acrílico. En su estudio en Estocolmo y España pinta motivos urbanos, paisajes y arte moderno con colores muy llamativos, y su arte impresionista ha sido vendido a personas por todo el mundo.
Daniela Broseghini - Italia|Brasil
La artista juega con el imaginario, utilizando capas sobre capas como estructuras que modifica o altera progresivamente, fragmentando la pintura pero manteniendo su identidad.
Su obra alberga porciones tanto de objetos como de recuerdos, entrelazados, superpuestos, escondidos unos sobre otros …, que poco a poco se van revelando; permitiendo al observador conectarse profundamente con el arte a través de su propia mirada.
Daniela Broseghini ha sido premiada en la Muestra Internacional de Arte Ultratual. Museo de arte de Brasilia MAB, Brasil y en el Salón Internacional de Artes Plásticas de Rio de Janeiro. Brasil.
Su obra alberga porciones tanto de objetos como de recuerdos, entrelazados, superpuestos, escondidos unos sobre otros …, que poco a poco se van revelando; permitiendo al observador conectarse profundamente con el arte a través de su propia mirada.
Daniela Broseghini ha sido premiada en la Muestra Internacional de Arte Ultratual. Museo de arte de Brasilia MAB, Brasil y en el Salón Internacional de Artes Plásticas de Rio de Janeiro. Brasil.
David Brush - España
No son demasiados los años que Brush lleva dedicado al arte, pero su inspiración y su deseo ferviente de continuar creando y mejorar cada vez más su autodidacta técnica, lo ha llevado a galardonarse recientemente como Premio Revelación del Año 2019, entregado por el Grupo Pro Arte y Cultura, Mayte Spínola.
DgArt Gallery - España
DgArt Gallery inicia su andadura en 2005 en Estocolmo (Suecia) con el principal objetivo de dar a conocer e instaurar un punto de encuentro para el arte sueco y español. Por sus paredes han pasado un extenso abanico de artistas contemporáneos con conocido prestigio nacional e internacional y jóvenes e inquietos artistas que han crecido con la galería, desde su fundación hasta el día de hoy.
En 2005, su fundador, Daniel García Andersson, después de llevar tiempo involucrado en el mundo del arte sueco con publicaciones y diversos proyectos, decide abrir una galería de arte en una antigua casa de finales del siglo XVI en Estocolmo, la capital mundialmente reconocida como la cuna del diseño y moda. En 2017 amplía su red de galerías abriendo una más en Gijón, al norte de España, donde abrazará a nuevos artistas con proyectos, exposiciones, competiciones juradas, ferias de arte… y quién sabe las puertas que se abrirán en el futuro.
En 2005, su fundador, Daniel García Andersson, después de llevar tiempo involucrado en el mundo del arte sueco con publicaciones y diversos proyectos, decide abrir una galería de arte en una antigua casa de finales del siglo XVI en Estocolmo, la capital mundialmente reconocida como la cuna del diseño y moda. En 2017 amplía su red de galerías abriendo una más en Gijón, al norte de España, donde abrazará a nuevos artistas con proyectos, exposiciones, competiciones juradas, ferias de arte… y quién sabe las puertas que se abrirán en el futuro.
E.Cultural Antonella Viazzi - Uruguay
Nos consolidamos como una plataforma de proyectos que parte de la amistad y confianza con los artistas con los que trabajamos. La dinámica de trabajo es de manera colectiva donde todos aportamos ideas y el conocimiento específico en cada una de las áreas con el propósito de ofrecer una mirada holística de las artes y los oficios. Somos un colectivo de artistas multidisciplinarios liderados por la artista Antonella Viazzi.
Uno de los ejes del proyecto es el trabajo con materiales reciclados y la reutilización de objetos para darle una segunda mano. Nos movemos entre las áreas de artes visuales, fotografía, música, artes escénicas, entre otras.
Antonella Viazzi Espacio Cultural está insertado en un lugar energético, Punta del Este, Uruguay, donde las personas vuelcan sus conocimientos con generosidad y empatía para generar vínculos y proyectos que mejoren la calidad de vida de todos.
Uno de los ejes del proyecto es el trabajo con materiales reciclados y la reutilización de objetos para darle una segunda mano. Nos movemos entre las áreas de artes visuales, fotografía, música, artes escénicas, entre otras.
Antonella Viazzi Espacio Cultural está insertado en un lugar energético, Punta del Este, Uruguay, donde las personas vuelcan sus conocimientos con generosidad y empatía para generar vínculos y proyectos que mejoren la calidad de vida de todos.
Elena Caicoya - España
"Las búsquedas de la belleza en lo aparentemente muerto o decadente, re significando los espacios y objetos, otorgándoles una nueva vida. Los mensajes y voces que los muros y calles de las ciudades guardan, donde se esconden gritos de personas que sienten la necesidad de expresarse. Palabras dentro de palabras en formas de advertencia, que hacen de guía a la fugacidad y señalan caminos inertes al caos.
Mi trabajo es un reclamo a la detención, a la parálisis, es la búsqueda de la necesidad de pararse, de detenerse en el aquí y ahora de una forma respetuosa al momento. La mirada y reflexión en él instante. Dar una perspectiva de la realidad a través de la educación visual, mostrando distintas formas de los modos de ver y de observar."
Mi trabajo es un reclamo a la detención, a la parálisis, es la búsqueda de la necesidad de pararse, de detenerse en el aquí y ahora de una forma respetuosa al momento. La mirada y reflexión en él instante. Dar una perspectiva de la realidad a través de la educación visual, mostrando distintas formas de los modos de ver y de observar."
Elena Sardinero - España
Elena trabaja con todo tipo de soportes y técnicas mixtas, le apasiona jugar con el "interior exterior" de todo. Explorar volúmenes, estructuras, edificios en entornos urbanos, con la interactuación de personajes que, desde lugares inusuales actúan como vigías, para no perder detalle de lo que sucede a nuestro alrededor.
Erick Miraval - Perú
Artista representado por Espacio Lupa.
Nace en Huánuco, Perú en 1982. Estudia en la Escuela Superior de Bellas Artes de Perú y continúa su formación en la Facultad de Bellas Artes de la UCM, obteniendo el Premio Extraordinario de fin de Carrera en el 2009 y realiza el máster MAC+i en arte, creación e investigación.
Ha ganado diversos premios, y expuesto en diversas ferias y eventos en Europa y Latinoamérica. Fue residente artístico para CONACULTA en México en el programa FONCA, en la Fundación Antonio Gala en Córdoba, y en la Fundación Rodríguez Acosta en Granada. Ha colaborado con la Fundación Marcelino Botín y la Fundación Telefónica. Trabajado para el Parlamento Europeo, empresas como Maseratti, y en Orquestas Sinfónicas como la OCNE, Juventas, y diversos Ayuntamientos con proyectos de Live painting, como Elogio a la Espalda o Make making of.
Actualmente reside en Madrid, en donde tiene su taller y desarrolla su rabajo como Artista y docente.
Nace en Huánuco, Perú en 1982. Estudia en la Escuela Superior de Bellas Artes de Perú y continúa su formación en la Facultad de Bellas Artes de la UCM, obteniendo el Premio Extraordinario de fin de Carrera en el 2009 y realiza el máster MAC+i en arte, creación e investigación.
Ha ganado diversos premios, y expuesto en diversas ferias y eventos en Europa y Latinoamérica. Fue residente artístico para CONACULTA en México en el programa FONCA, en la Fundación Antonio Gala en Córdoba, y en la Fundación Rodríguez Acosta en Granada. Ha colaborado con la Fundación Marcelino Botín y la Fundación Telefónica. Trabajado para el Parlamento Europeo, empresas como Maseratti, y en Orquestas Sinfónicas como la OCNE, Juventas, y diversos Ayuntamientos con proyectos de Live painting, como Elogio a la Espalda o Make making of.
Actualmente reside en Madrid, en donde tiene su taller y desarrolla su rabajo como Artista y docente.
Espacio Lupa - España
LUPA es una plataforma de creación artística situada en Lugo, el espacio dispone diversas herramientas dirigidas a la producción artística, ofrece la posibilidad de la cesión del espacio por horas o proyecto, o la
ocupación temporal según disposición.
Dispone de un espacio de carpintería con gran amplitud de herramientas, diversas zonas de trabajo según la necesidad requerida, orientados a la creación visual, fotografía y gráfica contemporánea, laboratorio fotográfico analógico y servicios de impresión personalizado en alta resolución.
LUPA, además ofrece servicio profesional especializado en coordinación y dirección de eventos culturales, montaje de exposiciones, embalaje a medida, gestión del seguro y logística de obras de arte, prestando atención a todas las acciones y
movimientos necesarios para que todo aquello que forma parte de un evento cultural esté en el momento previsto.
ocupación temporal según disposición.
Dispone de un espacio de carpintería con gran amplitud de herramientas, diversas zonas de trabajo según la necesidad requerida, orientados a la creación visual, fotografía y gráfica contemporánea, laboratorio fotográfico analógico y servicios de impresión personalizado en alta resolución.
LUPA, además ofrece servicio profesional especializado en coordinación y dirección de eventos culturales, montaje de exposiciones, embalaje a medida, gestión del seguro y logística de obras de arte, prestando atención a todas las acciones y
movimientos necesarios para que todo aquello que forma parte de un evento cultural esté en el momento previsto.
Eugenia Köhler - Argentina
Maria Eugenia Köhler, Nació en Buenos Aires, Argentina. Es Técnica Superior en Artes Visuales. Estudio en Nueva Escuela de Diseño y Comunicación. Su obra ha sido compartida con el público en varias ocasiones: en Buenos Aires en 2017 coincidiendo con la Noche de los Museos, en 2018 fueron seleccionadas tres de sus obras para un libro de artistas publicado en Madrid, actualmente expone obras también el Circuit Artist de Barcelona.
FAN - Françoise Fadeur - Bélgica
Artista Belga, viajadora, trabaja sobre la improbabilidad. Su obra se construye poco a poco, con intuición, todo aparece como si ya existiera. Escuchando la melodía de su corazón crea un mundo extraño y a la vez luminoso, frágil y duro. Como un encaje, una trama. Círculos, ciclos, sonidos, ondas, universalidad.
Se sumerge en el conjunto de las posibilidades, en universos invisibles
pero visible por su luz. Donde todo es precioso, donde todo se crea. En el vacío, en su encaje, en su totalidad…
En búsqueda de lo infinito, de lo infinitamente posible, excediendo su finitud, y terminado por su propio fin “naturaleza”
Definido por casualidad, el destino se basa en el misterio, en lo divino ... dimensión espiritual, energía primitiva, la historia está escrita y abre las múltiples puertas.
Se sumerge en el conjunto de las posibilidades, en universos invisibles
pero visible por su luz. Donde todo es precioso, donde todo se crea. En el vacío, en su encaje, en su totalidad…
En búsqueda de lo infinito, de lo infinitamente posible, excediendo su finitud, y terminado por su propio fin “naturaleza”
Definido por casualidad, el destino se basa en el misterio, en lo divino ... dimensión espiritual, energía primitiva, la historia está escrita y abre las múltiples puertas.
Felix Zilinskas - España
Felix Zilinskas cree en el poder de las historias detrás de las imágenes. De la misma forma en que le gusta jugar con los colores y espacios vacíos permitiendo que se entremezclen en el espacio del error, le gusta jugar con la imaginación del público. Títulos, nombres y figuras que sugieren y retan al individuo a completar la historia detrás de cada pieza.
Fermín Peláez - España
Trabajé el acero durante toda mi vida laboral, montando tuberías en grandes dimensiones y trazando figuras geométricas en chapa. Siempre pensé que con acero y soldadura podría hacer esculturas, sentía que podía darles una vida totalmente diferente. El hierro y el acero son materiales muy duros y pesados, pero para mí es una gran satisfacción trabajarlos, son materiales de belleza extraordinaria.
Fernando Gomez Berguio - España
Mi trayectoria artística comienza en los años 80, y desde entonces he pasado por varias etapas en las que he ido realizando cambios en estilos, materiales y temáticas.
MI gran inquietud e inconformismo se muestra en mis obras ; donde se refleja un proceso de cambio constante. Como consecuencia de ello, de manera simultánea se invierten etapas en mi vida sin un orden ni lógica, pero que me aportan un desarrollo y próspero resultado personal en mi perfil como artista.
MI gran inquietud e inconformismo se muestra en mis obras ; donde se refleja un proceso de cambio constante. Como consecuencia de ello, de manera simultánea se invierten etapas en mi vida sin un orden ni lógica, pero que me aportan un desarrollo y próspero resultado personal en mi perfil como artista.
Galería VESANIART - Suiza | España
El nombre de VESANIART procede del latinismo “vesania,” vocablo femenino rico y complejo. Representa la pasión para acometer el arte de la vida; sin arte, la pasión se volvería locura o en todo caso furia.
VESANIART es galería virtual por vocación, presente especialmente en España y Suiza.
Promocionamos la obra de artistas tanto emergentes como consagrados comprometidos con la creación, al margen de etiquetas. Estamos tan cuerdos que no distinguimos las distintas orillas donde se produce la creación artística.
VESANIART comisiona exposiciones, participa en ferias, asesora a coleccionistas y colabora en arte con Radio Internacional y Style Internacional.
VESANIART es galería virtual por vocación, presente especialmente en España y Suiza.
Promocionamos la obra de artistas tanto emergentes como consagrados comprometidos con la creación, al margen de etiquetas. Estamos tan cuerdos que no distinguimos las distintas orillas donde se produce la creación artística.
VESANIART comisiona exposiciones, participa en ferias, asesora a coleccionistas y colabora en arte con Radio Internacional y Style Internacional.
Gonzalo Martín-Peñasco - España
Siempre el arte estuvo representado a lo largo de su vida, complementando primero licenciatura como Arquitecto y Diseñador de Interiores. Posteriormente mastér en infoarquitectura y diversos tipos de cursos, desde escaparatismo a diseño gráfico.
Siguiendo con su carrera, enfocado en el diseño, trabajando en diferentes estudios como diseñador, escenógrafo, visual merchandiser, escaparatista…
Gonzalo fue seleccionado para una exposición conjunta en Tarragona, continuando con otra obra seleccionada para exponer en Granada. Deseando seguir con esta trayectoria en pintura y poder mostrar al mundo su visión.
Siguiendo con su carrera, enfocado en el diseño, trabajando en diferentes estudios como diseñador, escenógrafo, visual merchandiser, escaparatista…
Gonzalo fue seleccionado para una exposición conjunta en Tarragona, continuando con otra obra seleccionada para exponer en Granada. Deseando seguir con esta trayectoria en pintura y poder mostrar al mundo su visión.
Graciela E. Geller - Argentina
Mi pintura se relaciona específicamente con culturas ancestrales, sagradas y mágicas de los pueblos originarios. Mi desarrollo formal se estructura en el dibujo de imágenes con trazos ligados al automatismo, que dejan que mi imaginario utilice elementos de simbología arquetípica. Trabajo tanto en grandes formatos como en pequeños, utilizando poca materia pictórica, de un modo intenso, minucioso, preciso y pausado. De alguna manera es acumulativo y casi barroco.
Automatismo y observación. La contemplación como punto de partida para la inspiración creativa. Dibujo sobre lienzo con lo que me inspira. Trabajo con líneas fluidas, con grafismos que le da una impronta de dinamismo a la figura, no hay nada estático. La pintura está activa, tiene un trazo sensible usando la técnica del grafismo. Al aparecer el automatismo van apareciendo figuras del inconsciente que voy recuperando y trabajo sobre estas.
Automatismo y observación. La contemplación como punto de partida para la inspiración creativa. Dibujo sobre lienzo con lo que me inspira. Trabajo con líneas fluidas, con grafismos que le da una impronta de dinamismo a la figura, no hay nada estático. La pintura está activa, tiene un trazo sensible usando la técnica del grafismo. Al aparecer el automatismo van apareciendo figuras del inconsciente que voy recuperando y trabajo sobre estas.
Gus Gracey - España
Gus Gracey (1963) pintor y escultor autodidacta, dedicado en exclusiva a la pintura y escultura desde 2009, ha desarrollado su carrera creativa entre Londres y Madrid, donde ahora reside. Su pintura ha desarrollado una clara línea ascendente desde sus inicios, caracterizándose por una marcada búsqueda evolutiva que le ha llevado desde su inicio expresionista figurativo, hasta su momento actual que se desarrolla entre la abstracción, el collage y el aprovechamiento de distintos materiales y soportes hasta desarrollar una muy personal expresividad compositiva en sus últimos trabajos.
Iago Eireos - España
Artista representado por Espacio Lupa.
Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Vigo en el año 2008, completa su formación académica orientando su especialización con el ciclo superior de fotografía artística y el ciclo superior artes plásticas en diseño del gravado y técnicas de estampación, ambos cursados en la EASD.RF, mantiene su búsqueda como artista en colaboración con diversos centros y universidades de España, Italia, Portugal y Rumanía. Miembro fundador del Espacio Lupa, Laboratorio Urbano de Proyectos Artísticos.
Ha obtenido diversos premios y becas artísticas, como el Premio Art&Environment Montalbano (Italia), Beca de residencia RAM III (Portugal). Beca de residencia Fundación Bienal de Cerveira (Portugal). Representante “19 Rostros por Europa” Comisión y Parlamento Europeo, Beca Leonardo Da Vinci, Beca de residencia Plan de Movilidad Creativa, Beca Novos Valores09, Beca Primeira Obra de la Fundación Caixa Galicia, Beca Intracity_08, Beca Iniciarte de la Junta de Andalucía o la Beca Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores.
Cabe destacar su constante labor expositiva, tanto individual como colectiva, sumando a lo largo de su trayectoria un total de 19 exposiciones individuales y 40 colectivas. Entre sus últimas exposiciones individuales destacan “Memoria del Paidaje Añadido”, Fundación Fernando Villalón, Sevilla. OneProject, ArtMadrid 11, Spazio d´arte Sincresis, CentroCentro Cibeles, Madrid. “Memoria del Paidaje Añadido”. Fundación Casa Pintada – Museo Gabarrón, Murcia. “Art&Environment Montalbano”. Galleria Schema Polis, Carmigniano (Italia). “Memoria del Paisaje Añadido”. Centro Internacional Musibéria, Serpa (Portugal). “Memoria del Paisaje Añadido”. Centro Espacio Joven, Valladolid.
Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Vigo en el año 2008, completa su formación académica orientando su especialización con el ciclo superior de fotografía artística y el ciclo superior artes plásticas en diseño del gravado y técnicas de estampación, ambos cursados en la EASD.RF, mantiene su búsqueda como artista en colaboración con diversos centros y universidades de España, Italia, Portugal y Rumanía. Miembro fundador del Espacio Lupa, Laboratorio Urbano de Proyectos Artísticos.
Ha obtenido diversos premios y becas artísticas, como el Premio Art&Environment Montalbano (Italia), Beca de residencia RAM III (Portugal). Beca de residencia Fundación Bienal de Cerveira (Portugal). Representante “19 Rostros por Europa” Comisión y Parlamento Europeo, Beca Leonardo Da Vinci, Beca de residencia Plan de Movilidad Creativa, Beca Novos Valores09, Beca Primeira Obra de la Fundación Caixa Galicia, Beca Intracity_08, Beca Iniciarte de la Junta de Andalucía o la Beca Fundación Antonio Gala para Jóvenes Creadores.
Cabe destacar su constante labor expositiva, tanto individual como colectiva, sumando a lo largo de su trayectoria un total de 19 exposiciones individuales y 40 colectivas. Entre sus últimas exposiciones individuales destacan “Memoria del Paidaje Añadido”, Fundación Fernando Villalón, Sevilla. OneProject, ArtMadrid 11, Spazio d´arte Sincresis, CentroCentro Cibeles, Madrid. “Memoria del Paidaje Añadido”. Fundación Casa Pintada – Museo Gabarrón, Murcia. “Art&Environment Montalbano”. Galleria Schema Polis, Carmigniano (Italia). “Memoria del Paisaje Añadido”. Centro Internacional Musibéria, Serpa (Portugal). “Memoria del Paisaje Añadido”. Centro Espacio Joven, Valladolid.
Jesús Susilla - España
Su carrera arranca desde el paisaje urbano con temática de tráfico, desguaces , ciudades desiertas con ausencia de figura humana, trabajando con acrílicos y óleo sobre tabla imprimada de gran formato.
Tras unos años en concursos de pintura, en los que obtiene varios premios y reconocimientos, deriva hacia una obra en la que prima el dibujo con apoyo en la técnica de la acuarela.
Actualmente, en su continua búsqueda de nuevas alternativas, realiza retratos utilizando café como principal pigmento sobre papel Arches, tratando de capturar la mirada del sujeto retratado.
Tras unos años en concursos de pintura, en los que obtiene varios premios y reconocimientos, deriva hacia una obra en la que prima el dibujo con apoyo en la técnica de la acuarela.
Actualmente, en su continua búsqueda de nuevas alternativas, realiza retratos utilizando café como principal pigmento sobre papel Arches, tratando de capturar la mirada del sujeto retratado.
Joana Durão - Portugal
Joana Durão siempre estuvo vinculada a las bellas artes, hasta que se dedicó exclusivamente a la escultura de terracota y otras pastas cerámicas. La belleza, la serenidad y la espiritualidad de sus obras se traducen elocuentemente en las palabras que la escritora Rita Ferro le dedicó: “Joana Durão nos muestra brillantemente, un sentimiento de todo un camino de paz. La mujer, en sus obras en su conjunto, representa la alegoría suprema del romanticismo, como antídoto contra la agitación contemporánea y todo materialismo. Su trabajo es obviamente poético y refleja el movimiento mental de aquellos que luchan con la angustia y la ansiedad modernas".
Jose Antonio Diazdel - España
En otras ocasiones hemos visto sus intenciones pictóricas, sus influencias y su rendida admiración por los expresionistas abstractos europeos (luego americanos) que forman parte esencial de sus cuadros.
Los mismos que en su momento quisieron eliminar la individualidad e incluso la imagen humana para no privar al espectador de la emoción, casi religiosa, del color como fuente de pureza. Pero el humo se disipó, y a finales de los años sesenta del siglo pasado se recuperaron las fuentes que han dominado el arte de finales de siglo. Y la música, motivadora de gran parte de la obra abstracta (Vasily Kandinsky), como una gran sinfonía que expresa mediante líneas y conceptos un pensamiento que estaba presente en los artistas rusos y alemanes de mediados del siglo XX, y también en José Antonio Diazdel.
Los mismos que en su momento quisieron eliminar la individualidad e incluso la imagen humana para no privar al espectador de la emoción, casi religiosa, del color como fuente de pureza. Pero el humo se disipó, y a finales de los años sesenta del siglo pasado se recuperaron las fuentes que han dominado el arte de finales de siglo. Y la música, motivadora de gran parte de la obra abstracta (Vasily Kandinsky), como una gran sinfonía que expresa mediante líneas y conceptos un pensamiento que estaba presente en los artistas rusos y alemanes de mediados del siglo XX, y también en José Antonio Diazdel.
José Amador ABO - España
La sorpresa como motivo principal de mis obras, donde el comienzo del lienzo o tabla en blanco es motivo de inquietud y anhelo; dejo muchas veces que los trazos, los barridos vayan destruyendo a los anteriores hasta que me transmitan sensaciones inéditas, bien en su forma, en su color ó textura… que me señalicen un significado y simbolicen una inesperada “paz”
Aunque alguna vez me acerco a un predecible figurativismo, huyo rápidamente; no es lo que busco. Necesito transmitir más allá de una realidad, necesito que al observar la obra encontrar su sentir y cada uno haga su propia lectura emocional.
Necesito investigar con el trabajo de diferentes técnicas y materiales, telas, maderas, metales; pues por sí mismo, me transmiten sensaciones diferentes y complementarias.
No creo en los modos ni en las modas, si en los olores, colores y texturas, que vayan configurando mi obra.
Aunque alguna vez me acerco a un predecible figurativismo, huyo rápidamente; no es lo que busco. Necesito transmitir más allá de una realidad, necesito que al observar la obra encontrar su sentir y cada uno haga su propia lectura emocional.
Necesito investigar con el trabajo de diferentes técnicas y materiales, telas, maderas, metales; pues por sí mismo, me transmiten sensaciones diferentes y complementarias.
No creo en los modos ni en las modas, si en los olores, colores y texturas, que vayan configurando mi obra.
Juan Pita - España
Humorista gráfico en los semanarios “La Codorniz” y “Hermano Lobo” (1973/76), ilustrador y diseñador gráfico. Ha estudiado en profundidad las técnicas de obra gráfica, con carpetas y tiradas de grabados al aguafuerte y serigrafías.
Numerosas exposiciones individuales y colectivas, participación en ferias nacionales e internacionales, premios de alcance nacional y obra en museos y colecciones institucionales o privadas españolas y extranjeras.
Utiliza una muy amplia gama de técnicas de expresión: pintura al óleo y acrílica, grabado al aguafuerte, serigrafía, dibujo, etc. Actualmente desarrolla técnicas mixtas que introducen en la pintura, en modo collage, imágenes digitalizadas procesadas con programas de diseño gráfico. En la actualidad simultanea la pintura con el ejercicio profesional de la arquitectura en Segovia.
Numerosas exposiciones individuales y colectivas, participación en ferias nacionales e internacionales, premios de alcance nacional y obra en museos y colecciones institucionales o privadas españolas y extranjeras.
Utiliza una muy amplia gama de técnicas de expresión: pintura al óleo y acrílica, grabado al aguafuerte, serigrafía, dibujo, etc. Actualmente desarrolla técnicas mixtas que introducen en la pintura, en modo collage, imágenes digitalizadas procesadas con programas de diseño gráfico. En la actualidad simultanea la pintura con el ejercicio profesional de la arquitectura en Segovia.
Julia Diazdel - España
Ya nos presentó en su primera exposición individual una serie de instalaciones llena de poesía y sentido del humor. En algunas de ellas el punto de partida era pinturas de paisajes de gran formato sobre los que se “instalaban” otros elementos, que nos hacían cambian la perspectiva y nos llevaban a un lugar distinto del que habíamos partido.
De nuevo ahora, aunque en formato más pequeño nos trae sus paisajes, o mejor, sus vegetales, sus plantas, porque tanto aparecen vistos en la distancia, de una atalaya o desde un dron o desde la cercanía de un encuadre o una lupa, como para ser estudiados en un Departamento de Botánica.
Y todos ellos llenos de colores intensos, con una paleta tan amplia como en un catálogo de Titan-Lux.
De nuevo ahora, aunque en formato más pequeño nos trae sus paisajes, o mejor, sus vegetales, sus plantas, porque tanto aparecen vistos en la distancia, de una atalaya o desde un dron o desde la cercanía de un encuadre o una lupa, como para ser estudiados en un Departamento de Botánica.
Y todos ellos llenos de colores intensos, con una paleta tan amplia como en un catálogo de Titan-Lux.
Kelly Fischer - EEUU | Suiza
Mediante la abstracción, la artista transforma de forma pulsional, las emociones brutas que le provocan los entornos urbanos cotidianos, en formas, colores y movimientos intensos, donde, si el observador es atento, podemos apreciar personas y en algunos casos personajes.
La serie “Street Art”, exhibida recientemente en Nueva York, refleja no solo la energía y exuberancia de la ciudad como musa, sino también la de su creadora; plasmada en obras de gran formato.
Durante 2018 y 2019 Kelly Fischer ha estado presente en Ferias Internacionales de Arte Contemporáneo como SCOPE New York, Art Basel Miami, Contemporary Arts Project USA, London International Art Events o la Bienal de Venecia.
La serie “Street Art”, exhibida recientemente en Nueva York, refleja no solo la energía y exuberancia de la ciudad como musa, sino también la de su creadora; plasmada en obras de gran formato.
Durante 2018 y 2019 Kelly Fischer ha estado presente en Ferias Internacionales de Arte Contemporáneo como SCOPE New York, Art Basel Miami, Contemporary Arts Project USA, London International Art Events o la Bienal de Venecia.
Leonel Cunha - Portugal
Serie Piel - La Serie de Piel resulta del encuentro casual de imágenes en Internet durante la búsquedad del artista de retratos que de alguna forma mapearan momentos intensos y traumáticos de la sociedad.
En su investigación dio con dos registros fotográficos de las que habrán sido una las primeras operaciones de cirugía plástica del siglo XIX. El interés por la intensidad y el aspecto dramático de las imágenes halladas, pero paradójicamente, también la altivez y tranquilidad de su protagonista, Walter Yeo llamó la atención al artista.
Así, y a partir de estas imágenes encontradas fortuitamente, en 2016 comenzó a crear las primeras obras de la serie "Piel", que aun hoy continúa. En esta serie reflexiona sobre la fuerza visual de millones de imágenes brindadas de forma gratuita e inmediata en Internet, y la capacidad de la pintura para reinterpretarlas; obligando al espectador a una mirada y un paso lento, a la cuasi meditación.
En su investigación dio con dos registros fotográficos de las que habrán sido una las primeras operaciones de cirugía plástica del siglo XIX. El interés por la intensidad y el aspecto dramático de las imágenes halladas, pero paradójicamente, también la altivez y tranquilidad de su protagonista, Walter Yeo llamó la atención al artista.
Así, y a partir de estas imágenes encontradas fortuitamente, en 2016 comenzó a crear las primeras obras de la serie "Piel", que aun hoy continúa. En esta serie reflexiona sobre la fuerza visual de millones de imágenes brindadas de forma gratuita e inmediata en Internet, y la capacidad de la pintura para reinterpretarlas; obligando al espectador a una mirada y un paso lento, a la cuasi meditación.
Lopez Oliva - Cuba
Graduado de Bellas Artes en la Escuela Nacional de Arte de La Habana en 1969, López Oliva es un maestro cubano de pintura de la generación de los años sesenta que aún vive y trabaja en La Habana. Es uno de los artistas activos cubanos más reconocidos del arte visual nacional, con un trabajo sólido y genuino de más de 30 años.
Su obra es una fusión singular entre significado y estructura formal. El teatro y la mascarada conforman ingredientes importantes de su lenguaje artístico. Para él, el teatro también existe en los carnavales; como en los rituales y ceremonias donde las máscaras se convierten en una cara real en un contacto inusual entre el espectador y el símbolo que representa. Su trabajo se ha exhibido en importantes galerías y centros culturales de todo el mundo. Ha recibido premios y reconocimientos en diferentes países y su obra integra importantes colecciones institucionales y privadas.
Su obra es una fusión singular entre significado y estructura formal. El teatro y la mascarada conforman ingredientes importantes de su lenguaje artístico. Para él, el teatro también existe en los carnavales; como en los rituales y ceremonias donde las máscaras se convierten en una cara real en un contacto inusual entre el espectador y el símbolo que representa. Su trabajo se ha exhibido en importantes galerías y centros culturales de todo el mundo. Ha recibido premios y reconocimientos en diferentes países y su obra integra importantes colecciones institucionales y privadas.
Luis Paniego - España
Desde muy joven comencé a dibujar y pintar, fascinado por el paisaje, el mar y las montañas de la tierra en las que me crie. El observar la naturaleza durante las caminatas y ver los cambios en las diferentes estaciones me animaba a reproducirlos sobre el papel.
Ayudado y orientado por mi profesor de Literatura, me animó a hiciera una exposición en la biblioteca del Instituto (1974).A partir de ese momento la pintura se convierte en un hábito que comparto con mis estudios, participando en exposiciones y certámenes, consiguiendo una mención de honor en el premio de la Caja de Ahorros provincial de Guipúzcoa de 1976.
El mundo de los sueños, las formas geométricas, el cosmos, su simbología y la representación de las imágenes que me sugieren mis lecturas, son los motivos y temas para mis obras. El intento de crear un mundo propio, sin miedo en el uso del color y las técnicas mixtas que te permiten sin complejos el uso de diferentes materiales. Comparto la figuración con obras abstractas que me dan mayor libertad en la ejecución. Reagrupo mis trabajos en series con características comunes.
Ayudado y orientado por mi profesor de Literatura, me animó a hiciera una exposición en la biblioteca del Instituto (1974).A partir de ese momento la pintura se convierte en un hábito que comparto con mis estudios, participando en exposiciones y certámenes, consiguiendo una mención de honor en el premio de la Caja de Ahorros provincial de Guipúzcoa de 1976.
El mundo de los sueños, las formas geométricas, el cosmos, su simbología y la representación de las imágenes que me sugieren mis lecturas, son los motivos y temas para mis obras. El intento de crear un mundo propio, sin miedo en el uso del color y las técnicas mixtas que te permiten sin complejos el uso de diferentes materiales. Comparto la figuración con obras abstractas que me dan mayor libertad en la ejecución. Reagrupo mis trabajos en series con características comunes.
Luz Cano - España
Desde que iniciara su recorrido artístico, hace ya muchos años, su pintura se nos antoja un canto a la naturaleza.
En el paisaje encuentra Luz Cano casi todas sus razones y las aprovecha para hacer un discurso lleno de poesía y delicadeza, en donde el espíritu de lo figurado concuerda con la esencia de lo que encarna, por la manera en que lo hace: meditativa y sosegada.
Sus árboles, que surgen a veces del vacío, parecen esconder pensamientos inmateriales, como si de símbolos se tratara. En ocasiones unas ramas, en medio del silencio nos recuerdan -por contraste- la necesidad de encontrarlo, en una sociedad inmersa en el ruido.
Sin apenas presencia de la figura -porque ésta puede estar representada en cada elemento- y con una paleta caracterizada por su armonía, tan delicada como sutil, nos ofrece temas que nos hacen pensar en el deseo de volver a conectarnos con lo que nos hace sensibles, y en definitiva, con lo que habita en la poesía de su pintura.
En el paisaje encuentra Luz Cano casi todas sus razones y las aprovecha para hacer un discurso lleno de poesía y delicadeza, en donde el espíritu de lo figurado concuerda con la esencia de lo que encarna, por la manera en que lo hace: meditativa y sosegada.
Sus árboles, que surgen a veces del vacío, parecen esconder pensamientos inmateriales, como si de símbolos se tratara. En ocasiones unas ramas, en medio del silencio nos recuerdan -por contraste- la necesidad de encontrarlo, en una sociedad inmersa en el ruido.
Sin apenas presencia de la figura -porque ésta puede estar representada en cada elemento- y con una paleta caracterizada por su armonía, tan delicada como sutil, nos ofrece temas que nos hacen pensar en el deseo de volver a conectarnos con lo que nos hace sensibles, y en definitiva, con lo que habita en la poesía de su pintura.
M. Jesús Cano - España
Arquitecto por la Universidad Politécnica de Madrid, compagina la Arquitectura con la Creación Plástica y la Docencia. Sus obras han sido expuestas tanto en exposiciones individuales como colectivas en diferentes países europeos y en Estados Unidos y ha obtenido numerosos premios.
Su obra se ha encaminado hacia la Abstracción Constructivista y el Espacialismo. Cuadros monocromáticos que evolucionan al blanco puro, de cuidada geometría compositiva. Cuadrados como soporte, que transmiten equilibrio y armonía. Rectángulos de proporciones áureas en segundo plano, y sobre éstos, los elementos que se repiten, cuñas... bolas... series. Torres horizontales y verticales que siguen criterios compositivos de fachada arquitectónica. Diálogo entre geometría, superficie, material y color, quedando todo ello potenciado por los efectos buscados de luces y sombras, que confieren a sus composiciones un carácter escultórico.
Su obra se ha encaminado hacia la Abstracción Constructivista y el Espacialismo. Cuadros monocromáticos que evolucionan al blanco puro, de cuidada geometría compositiva. Cuadrados como soporte, que transmiten equilibrio y armonía. Rectángulos de proporciones áureas en segundo plano, y sobre éstos, los elementos que se repiten, cuñas... bolas... series. Torres horizontales y verticales que siguen criterios compositivos de fachada arquitectónica. Diálogo entre geometría, superficie, material y color, quedando todo ello potenciado por los efectos buscados de luces y sombras, que confieren a sus composiciones un carácter escultórico.
Magali Llata - España
Artista, autodidacta, enamorada de la belleza, del arte y de la vida. Mi objetivo es pintar desde el alma y crear un lugar que le dé al espectador el espacio para soñar, para imaginar, para perderse.
Me apasiona el color, adentrarme en cada una de sus tonalidades y encontrar la armonía con la que crear un lienzo. El color es la base de mi pintura, me fascina la magia que surge cuando lo mezclo, me dejo llevar por lo que me transmite.
Todo surge de mi pasión por la belleza, lo natural, lo sencillo, lo delicado, lo espontáneo, sin pretensiones ni ideas preconcebidas. Pinto para transmitir y a través de mis cuadros poder hablar, sentir y hasta tocar a quién se quiera perder en ellos.
El motor de mi trabajo es poder compartir un poco más de mí a través del arte. Una parte de mi está en cada uno de mis lienzos.
Me apasiona el color, adentrarme en cada una de sus tonalidades y encontrar la armonía con la que crear un lienzo. El color es la base de mi pintura, me fascina la magia que surge cuando lo mezclo, me dejo llevar por lo que me transmite.
Todo surge de mi pasión por la belleza, lo natural, lo sencillo, lo delicado, lo espontáneo, sin pretensiones ni ideas preconcebidas. Pinto para transmitir y a través de mis cuadros poder hablar, sentir y hasta tocar a quién se quiera perder en ellos.
El motor de mi trabajo es poder compartir un poco más de mí a través del arte. Una parte de mi está en cada uno de mis lienzos.
Manuela Masago - España
¿ Qué me lleva a crear ? ¿ Qué busco en el arte?
Para mí es como el rio de la vida, te lleva, a veces rápido, otras en las llanuras más lento, calmado, reflexivo y otras tropieza con grandes obstáculos que te impulsan a saltar experimentando la emoción de lo inesperado.
Improvisar forma parte de mi piel, observo, siento, me emociono, transformo hallando en lo imperfecto el equilibrio.
Me inspira la naturaleza, el ser humano, adentrarme en el paisaje de la mente me apasiona. La música me acompaña siempre, en el silencio en el canto de los pájaros, la caída de las hojas en otoño con sus bellos colores húmedos y brillantes invitándome al recogimiento para crear, meditar y llenarme de energía.
Para mí es como el rio de la vida, te lleva, a veces rápido, otras en las llanuras más lento, calmado, reflexivo y otras tropieza con grandes obstáculos que te impulsan a saltar experimentando la emoción de lo inesperado.
Improvisar forma parte de mi piel, observo, siento, me emociono, transformo hallando en lo imperfecto el equilibrio.
Me inspira la naturaleza, el ser humano, adentrarme en el paisaje de la mente me apasiona. La música me acompaña siempre, en el silencio en el canto de los pájaros, la caída de las hojas en otoño con sus bellos colores húmedos y brillantes invitándome al recogimiento para crear, meditar y llenarme de energía.
Mario Giacoya - Uruguay
Artista representado por el Espacio Cultural Antonella Viazzi.
Martin Vic - España
Su carrera inicia fusionando la pintura clásica con toques modernos, dando aires contemporáneos a lo antiguo, aplicando diferentes técnicas a sus obras.
Actualmente el artista trabaja el hiperrealismo como medio de expresión ,utiliza el papel aluminio como instrumento para representar alegóricamente una historia de vida, un alma con sus oscuridades, brillos y caminos elegidos.
En las obras se puede contemplar, como se desarrollan las arrugas, símbolos de madurez y de cómo el tiempo nos pliega , nos enseña y nos oculta. Muestran también la necesidad de oscurecer partes de nuestra vida, para que otras brillen dentro del camino que vamos eligiendo y transitando .
A través del metal , el pintor da vida a algo que inicialmente es inerte , pero que en sus líneas oculta una historia .
Actualmente el artista trabaja el hiperrealismo como medio de expresión ,utiliza el papel aluminio como instrumento para representar alegóricamente una historia de vida, un alma con sus oscuridades, brillos y caminos elegidos.
En las obras se puede contemplar, como se desarrollan las arrugas, símbolos de madurez y de cómo el tiempo nos pliega , nos enseña y nos oculta. Muestran también la necesidad de oscurecer partes de nuestra vida, para que otras brillen dentro del camino que vamos eligiendo y transitando .
A través del metal , el pintor da vida a algo que inicialmente es inerte , pero que en sus líneas oculta una historia .
Mercedes Naranjo - España
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