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galerías | artistas participantes en ARTIST 2020

(participación actualizada a : 25/10/2019 )

abo dominguez (madrid)

La sorpresa como motivo principal de mis obras, donde el comienzo del lienzo o tabla en blanco es motivo de inquietud y anhelo; dejo muchas veces que los trazos, los barridos vayan destruyendo a los anteriores hasta que me transmitan sensaciones inéditas, bien en su forma, en su color ó textura… que me señalicen un significado y simbolicen una inesperada “paz”

Aunque alguna vez me acerco a un predecible figurativismo, huyo rápidamente; no es lo que busco. Necesito transmitir más allá de una realidad, necesito que al observar la obra encontrar su sentir y cada uno haga su propia lectura emocional.
Necesito investigar con el trabajo de diferentes técnicas y materiales, telas, maderas, metales; pues por sí mismo, me transmiten sensaciones diferentes y complementarias.


No creo en los modos ni en las modas, si en los olores, colores y texturas, que vayan configurando mi obra.

albert costa (Tarragona)

Soy un artista que se centra en las vanguardias más contemporáneas de acuerdo al contexto artístico actual. En la fotografía busco destacar la parte más estética y conceptual, siempre con un significado donde se rompen los cánones más conservadores.

En la pintura fusiono parte estética y conceptual. En primer lugar me centro en el proyecto a desarrollar, y después en su significado. Una vez desarrollado el proyecto, me centro en las obras. El color y la forma crean sutiles y diversas atmosferas con un significado que quiero que empatice y transmita sensaciones y emociones al espectador.

ahmad ghoreishi  Esfahán (Irán)   | Galería VESANIART

Destruir, de-construir, construir, deshacer… esta podría ser la secuencia aleatoria o no,  en el trabajo de este artista rotundo: escultor, arquitecto, pintor y poeta, para mostrar de una manera pasional lo que hierve en su interior.

 

La obra de Ahmad Ghoreishi es pacifica, musical, elegante, intima, rápida, brillante, radical, equilibrada, inteligente, divertida, irónica, bella, profunda.

 

Entrar en la obra de Ahmad es iniciar un viaje del que no tendremos control,  Antonio Yesa

Ahmad Ghoreishi estará representado en ARTIST 2020 por la Galería VESANIART

Angeles García (Madrid)

Siempre me sorprende el material que utilizo para contar las cosas, las posibilidades fluyen rápido. Mi respuesta es fusionarme con ella, iniciar un camino juntos, es la aventura que me pone en marcha.

Hombre + Materia + Sentimientos.

Hombre (su aspecto y naturaleza), Materia (tronco de derribo), Sentimientos (motor interno del ser humano) y mi aportación personal (conocimientos, experiencia y creatividad).

Proceso: Estudio, investigación y conclusión en donde aparece una nueva realidad (ESCULTURA).

El resultado NO TE DEJA INDIFERENTE.

 

carlos manuel fidalgo gaspar (Lisboa, Portugal)

Autodidacta y apasionado de las bellas artes. Mi trabajo emerge en mi imaginación, generalmente técnica mixta, utilizando diversos materiales de plástico, yeso o madera pintados con pinturas de esmalte. Todos los trabajos son de mi propia imaginación y creación, el proceso imaginativo es el proceso que absorbe mi pasión y me impulsa a crear e innovar.


He participado en varias exposiciones colectivas e individuales desde el norte hasta el sur de Portugal, siempre con buenos comentarios sobre mis obras.

cani navarro (Madrid)

Mi obra se construye a través de acontecimientos cotidianos, urbanos. Parto de la fotografía, desnaturalizándola y dándole otra perspectiva. Utilizo materiales  destinados, en ocasiones, a su destrucción, siendo así reciclados y convertidos en algo visual y colorista..

 

 

 

galería VESANIART Fuengirola, Málaga

El nombre de VESANIART procede del latinismo “vesania,” vocablo femenino rico y complejo. Representa la pasión para acometer el arte de la vida; sin arte, la pasión se volvería locura o en todo caso furia.


VESANIART es galería virtual por vocación, presente especialmente en España y Suiza.

 

Promocionamos la obra de artistas tanto emergentes como consagrados comprometidos con la creación, al margen de etiquetas. Estamos tan cuerdos que no distinguimos las distintas orillas donde se produce la creación artística.

 

VESANIART comisiona exposiciones, participa en ferias, asesora a coleccionistas  y colabora en arte con Radio Internacional y Style Internacional.

jose antonio diazdel Benalmadena - Málaga | Galería VESANIART

En otras ocasiones hemos visto sus intenciones pictóricas, sus influencias y su rendida admiración por los expresionistas abstractos europeos (luego americanos) que forman parte esencial de sus cuadros.

Los mismos que en su momento quisieron eliminar la individualidad e incluso la imagen humana para no privar al espectador de la emoción, casi religiosa, del color como fuente de pureza. Pero el humo se disipó, y a finales de los años sesenta del siglo pasado se recuperaron las fuentes que han dominado el arte de finales de siglo. Y la música, motivadora de gran parte de la obra abstracta (Vasily Kandinsky), como una gran sinfonía que expresa mediante líneas y conceptos un pensamiento que estaba presente en los artistas rusos y alemanes de mediados del siglo XX, y también en José Antonio Diazdel.

gonzalo martín-peñasco (Madrid)

Siempre el arte estuvo representado a lo largo de su vida, complementando primero licenciatura como Arquitecto y Diseñador de Interiores. Posteriormente mastér en infoarquitectura y diversos tipos de cursos, desde escaparatismo a diseño gráfico.

Siguiendo con su carrera, enfocado en el diseño, trabajando en diferentes estudios como diseñador, escenógrafo, visual merchandiser, escaparatista…

Gonzalo fue seleccionado para una exposición conjunta en Tarragona, continuando con otra obra seleccionada para exponer en Granada. Deseando seguir con esta trayectoria en pintura y poder mostrar al mundo su visión.

julia diazdel Málaga | Galería VESANIART

Ya nos presentó en su primera exposición individual una serie de instalaciones llena de poesía y sentido del humor. En algunas de ellas el punto de partida era pinturas de paisajes de gran formato sobre los que se “instalaban” otros elementos, que nos hacían cambian la perspectiva y nos llevaban a un lugar distinto del que habíamos partido. 

 

De nuevo ahora, aunque en formato más pequeño nos trae sus paisajes, o mejor, sus vegetales, sus plantas, porque tanto aparecen vistos en la distancia, de una atalaya o desde un dron o desde la cercanía de un encuadre o una lupa, como para ser estudiados en un Departamento de Botánica.

 

Y todos ellos llenos de colores intensos, con una paleta tan amplia como en un catálogo de Titan-Lux.

daniela broseghini Italia-Brasil  | Galería VESANIART

La artista juega con el imaginario, utilizando capas sobre capas como estructuras que modifica o altera progresivamente, fragmentando la pintura pero manteniendo su identidad.

 

Su obra alberga porciones tanto de objetos como de recuerdos, entrelazados, superpuestos, escondidos unos sobre otros …, que poco a poco se van revelando;  permitiendo al observador conectarse profundamente con el arte a través de su propia mirada.

 

Daniela Broseghini ha sido premiada  en la Muestra Internacional de Arte Ultratual. Museo de arte de Brasilia MAB, Brasil y en el Salón Internacional de Artes Plásticas de Rio de Janeiro. Brasil.

leonel cunha Portugal | Galería VESANIART

Serie Piel  - La Serie de Piel  resulta del encuentro casual de imágenes en Internet durante la búsquedad del artista de retratos que de alguna forma mapearan momentos intensos y traumáticos de la sociedad.

 

En su investigación dio con dos registros fotográficos de las que habrán sido una las primeras operaciones de cirugía plástica del siglo XIX. El interés por la intensidad y el aspecto dramático de las imágenes halladas, pero paradójicamente, también la altivez y tranquilidad de su protagonista, Walter Yeo llamó la atención al artista.

 

Así, y a partir de estas imágenes encontradas fortuitamente, en 2016 comenzó a crear las primeras obras de la serie "Piel",  que aun hoy continúa. En esta serie reflexiona sobre la fuerza visual de millones de imágenes brindadas de forma gratuita e inmediata en Internet,  y la capacidad de la pintura para reinterpretarlas;  obligando al espectador a una mirada y un paso lento, a la cuasi meditación.

manuel lópez oliva (Cuba)

Graduado de Bellas Artes en la Escuela Nacional de Arte de La Habana en 1969, López Oliva es un maestro cubano de pintura de la generación de los años sesenta que aún vive y trabaja en La Habana. Es uno de los artistas activos cubanos más reconocidos del arte visual nacional, con un trabajo sólido y genuino de más de 30 años.

 

Su obra es una fusión singular entre significado y estructura formal. El teatro y la mascarada conforman ingredientes importantes de su lenguaje artístico. Para él, el teatro también existe en los carnavales; como en los rituales y ceremonias donde las máscaras se convierten en una cara real en un contacto inusual entre el espectador y el símbolo que representa. Su trabajo se ha exhibido en importantes galerías y centros culturales de todo el mundo. Ha recibido premios y reconocimientos en diferentes países y su obra integra importantes colecciones institucionales y privadas.

martín vic (España)

Su  carrera inicia fusionando la pintura clásica con toques modernos, dando aires contemporáneos a lo antiguo, aplicando diferentes técnicas a sus obras.

Actualmente el artista trabaja el hiperrealismo como medio de expresión ,utiliza el papel aluminio como instrumento para representar alegóricamente una historia de vida, un alma con sus oscuridades, brillos y  caminos elegidos. 

En las obras se puede contemplar, como se desarrollan las arrugas, símbolos de madurez y de cómo el tiempo nos pliega , nos enseña y nos oculta. Muestran también la necesidad de oscurecer partes de nuestra vida, para que otras brillen  dentro del camino que vamos eligiendo y transitando . 

A través del metal , el pintor da vida a algo que inicialmente es inerte , pero que en sus líneas oculta una historia .

kelly fischer Suiza | Galería VESANIART

Mediante la abstracción, la artista transforma de forma pulsional, las emociones brutas que le provocan los entornos urbanos cotidianos, en formas, colores y movimientos intensos, donde, si el observador es atento, podemos apreciar personas y en algunos casos personajes.

 

La serie “Street Art”, exhibida recientemente en Nueva York, refleja no solo la energía y exuberancia de la ciudad como musa, sino también la de su creadora; plasmada en obras de gran formato.

 

Durante 2018 y 2019 Kelly Fischer ha estado presente en Ferias Internacionales de Arte Contemporáneo como SCOPE New York, Art Basel Miami, Contemporary Arts Project USA, London International Art Events o la Bienal de Venecia.

fernando gómez berguio (guadalajara)

Mi trayectoria artística comienza en los años 80, y desde entonces he pasado por varias etapas en las que he ido realizando cambios en  estilos, materiales y temáticas. 

MI gran inquietud e inconformismo se muestra en mis obras ; donde se refleja un proceso de cambio constante. Como consecuencia de ello, de manera simultánea se invierten etapas en mi vida sin un orden ni lógica, pero que me aportan un desarrollo y próspero resultado personal en mi perfil como artista

patricia villamarín Ponferrada, León (1982)  | DgArt Gallery

Con mirada poética, trabaja la figuración en los objetos cotidianos y en unos espacios interiores habitados de luz y de susurro, de aparente serenidad. Presenta un tiempo detenido donde lo representado adquiere un destello de extrañeza, evocadora del misterioso vacío de las cosas. Estos espacios se pueblan paulatinamente de seres. Ellos, muchas veces niños, revelan dualidades de inocencia y malicia, oscilan entre la fragilidad y la violencia, e invocan sin saberlo las fuerzas arrolladoras de la naturaleza.

Gracias a un análisis cromático cuidado y de alto valor plástico, la artista compone planos en varias escalas dentro de cada obra, respetando el carácter constructivo de la pintura. Esta exploración se convierte en sustancia propia de cada pieza y es un rasgo inconfundible de su autora. Las sutiles repeticiones de color identifican, e incluso enlazan, su trayectoria creativa hasta la fecha.

luis paniego (madrid)

Desde muy joven comencé a dibujar y pintar, fascinado por el paisaje, el mar y las montañas de la tierra en las que me crie. El observar la naturaleza durante las caminatas y ver los cambios en las diferentes estaciones me animaba a reproducirlos sobre el papel.

Ayudado y orientado por mi profesor de Literatura, me animó a hiciera una exposición en la biblioteca del Instituto (1974).A partir de ese momento la pintura se convierte en un hábito que comparto con mis estudios, participando en exposiciones y certámenes, consiguiendo una mención de honor en el premio de la Caja de Ahorros provincial de Guipúzcoa de 1976.

El mundo de los sueños, las formas geométricas, el cosmos, su simbología y la representación de las imágenes que me sugieren mis lecturas, son los motivos y temas para mis obras. El intento de crear un mundo propio, sin miedo en el uso del color y las técnicas mixtas que te permiten sin complejos el uso de diferentes materiales. Comparto la figuración con obras abstractas que me dan mayor libertad en la ejecución. Reagrupo mis trabajos en series con características comunes.

reyner ruiz (Santa Clara, Cuba)

Las obras que realizo nacen dentro de un mundo creativo que llevo conmigo hacia todas partes. El dibujo es la base de mi experimentación artística, mi formación como arquitecto influye en formas, trazos uso de líneas y expresiones.

 

Mi percepción es positiva transformando y reinterpretando rostros formas y realidades en busca de nuevos discursos, puntos de vista y autenticidad. La mujer, la naturaleza, el paisaje rural y urbano son fuentes de inspiración para despertar y materializar la creatividad. Utilizo lápices carboncillos crayolas acrílicos y óleos sobre soporte de madera, papel y lienzo.

ne cano (madrid)

Arquitecto por la Universidad Politécnica de Madrid, compagina la  Arquitectura con la Creación Plástica y la Docencia. Sus obras han sido expuestas tanto en exposiciones individuales como colectivas en diferentes países europeos y en Estados Unidos y ha obtenido numerosos premios.

Su obra se ha encaminado hacia la Abstracción Constructivista y el Espacialismo. Cuadros monocromáticos  que evolucionan al blanco puro,  de cuidada geometría compositiva. Cuadrados como soporte, que transmiten equilibrio y armonía. Rectángulos de proporciones áureas en segundo plano, y sobre éstos, los elementos que se repiten, cuñas... bolas... series. Torres horizontales y verticales que siguen criterios compositivos de fachada arquitectónica. Diálogo entre geometría, superficie, material y color, quedando todo ello potenciado por los efectos buscados de luces y sombras, que confieren a sus composiciones un carácter escultórico.

mercedes naranjo (Tocina, Sevilla)

Un artista, es un contador de historias que vive el contexto social, económico y político y a través de la fuerza del arte como herramienta puede llegar a transformar su entorno.

 

De este concepto parte mi obra artística teniendo como objetivo la reflexión, el impacto e inclusión la perturbación conceptual de quien desde la observación debe interpretar el relato de la obra expuesta tanto desde la escultura como medio de comunicación o la pintura. 

nacho gaiz (Madrid)

Pasión por la creatividad, en un proceso constante de investigación de materiales, texturas y formas. Artista multidisciplinar, transformista de lo cotidiano en sublime.

Diseñador desde hace más de treinta años, desde niño vinculado a la artesania y desde siempre creando incesantemente. La temática de sus obras explora la naturaleza y el ser humano.

 

Buscando una segunda vida a materiales de desecho, creando formas tridimensionales y conformando espacios.  Dotando a sus obras de misterio y magia.

 

naima amsif (Madrid)

Nacida en Rabat, reside en Madrid desde hace más de 20 años. Hasta hace cuatro años, la pintura era una afición, a la que dedicaba buena parte de su tiempo libre. Desde hace cuatro años, la pintura es su ocupación principal. La pintura, antes y ahora, es su pasión.

En mayo de 2017 hizo su primera exposición individual en la Galería A2 de Madrid. Así la definió Vicente Araguás, escritor y poeta “ … estallido de colores (¨rouge¨de crepúsculos y rubores) en la  abstracción violenta que se hace movimiento pacífico y aun pacifista con ciertos toques de mística sufí…”)

Y desde esa primera exposición su trayectoria evoluciona participando en concursos, certámenes y exponiendo en España, Francia, Marruecos, Suiza.

Sus obras, combinando colores y formas, alejados de cualquier realidad, reflejan sus sentimientos, sus pensamientos, su amor por la vida. Amsif suele resumir sus obras con esta frase ¨En cada una de sus pinturas, está mi huella, un trocito de mi alma”.

elena caicoya (madrid)

"las búsquedas de la belleza en lo aparentemente muerto o decadente, re significando los espacios y objetos, otorgándoles una nueva vida. Los mensajes y voces que los muros y calles de las ciudades guardan, donde se esconden gritos de personas que sienten la necesidad de expresarse.  Palabras dentro  de palabras en formas de advertencia, que hacen de guía a la fugacidad y señalan caminos inertes al caos. 
 
Mi trabajo es un reclamo a la detención, a la parálisis, es la búsqueda de la necesidad de pararse, de detenerse en el aquí y ahora de una forma respetuosa al momento. La mirada y reflexión en él instante.  Dar una perspectiva de la realidad a través de la educación visual, mostrando distintas formas de los modos de ver y  de observar."

per-inge isheden Avesta, Suecia, (1937) | DgArt Gallery

La pintura siempre ha sido su pasión, algo sin lo que no puede vivir. Nació en Avesta, una pequeña ciudad rural al norte de Estocolmo en Suecia. Inspirado por su madre, empezó a pintar ya de niño. En la escuela, su maestro le habló brevemente de la técnica de composición de Paul Cézanne. Le fascinó y estudió su trabajo en libros y más tarde en museos de toda Europa

Empezó a mezclar las dos técnicas de pintura bastante convencionales que aprendió en la escuela de arte, con pincel y espátula. Luego sucesivamente añadió goteo, salpicaduras e incluso vertimiento de pintura en sus lienzos. Descubrió las posibilidades de transformar una pintura de paisaje en un retrato, una pera en una mujer... Buscó inspiración en todas partes, no sólo en el arte, sino en revistas, cómics, ilustraciones, huellas antiguas, señales extrañas, lo que sea. La combinación de colores en un camión, el patrón de color en un pez, la luz roja de una señal de tráfico, todo sirve para crear de la imaginación.

luz cano (Madrid)

Desde que iniciara su recorrido artístico, hace ya muchos años, su pintura se nos antoja un canto a la naturaleza.


En el paisaje encuentra Luz Cano casi todas sus razones y las aprovecha para hacer un discurso lleno de poesía y delicadeza, en donde el espíritu de lo figurado concuerda con la esencia de lo que encarna, por la manera en que lo hace: meditativa y sosegada.


Sus árboles, que surgen a veces del vacío, parecen esconder pensamientos inmateriales, como si de símbolos se tratara. En ocasiones unas ramas, en medio del silencio nos recuerdan -por contraste- la necesidad de encontrarlo, en una sociedad inmersa en el ruido.


Sin apenas presencia de la figura -porque ésta puede estar representada en cada elemento- y con una paleta caracterizada por su armonía, tan delicada como sutil, nos ofrece temas que nos hacen pensar en el deseo de volver a conectarnos con lo que nos hace sensibles, y en definitiva, con lo que habita en la poesía de su pintura

 

galería DgArt Gallery (Gijón)

DgArt Gallery inicia su andadura en 2005 en Estocolmo (Suecia) con el principal objetivo de dar a conocer e instaurar un punto de encuentro para el arte sueco y español. Por sus paredes han pasado un extenso abanico de artistas contemporáneos con conocido prestigio nacional e internacional y jóvenes e inquietos artistas que han crecido con la galería, desde su fundación hasta el día de hoy.

En 2005, su fundador, Daniel García Andersson, después de llevar tiempo involucrado en el mundo del arte sueco con publicaciones y diversos proyectos, decide abrir una galería de arte en una antigua casa de finales del siglo XVI en Estocolmo, la capital mundialmente reconocida como la cuna del diseño y moda. En 2017 amplía su red de galerías abriendo una más en Gijón, al norte de España, donde abrazará a nuevos artistas con proyectos, exposiciones, competiciones juradas, ferias de arte… y quién sabe las puertas que se abrirán en el futuro.

patricia villamarín Ponferrada, León (1982)  | DgArt Gallery

Con mirada poética, trabaja la figuración en los objetos cotidianos y en unos espacios interiores habitados de luz y de susurro, de aparente serenidad. Presenta un tiempo detenido donde lo representado adquiere un destello de extrañeza, evocadora del misterioso vacío de las cosas. Estos espacios se pueblan paulatinamente de seres. Ellos, muchas veces niños, revelan dualidades de inocencia y malicia, oscilan entre la fragilidad y la violencia, e invocan sin saberlo las fuerzas arrolladoras de la naturaleza.

Gracias a un análisis cromático cuidado y de alto valor plástico, la artista compone planos en varias escalas dentro de cada obra, respetando el carácter constructivo de la pintura. Esta exploración se convierte en sustancia propia de cada pieza y es un rasgo inconfundible de su autora. Las sutiles repeticiones de color identifican, e incluso enlazan, su trayectoria creativa hasta la fecha.

daniel garcía andersson Tenerife (1963) | DgArt Gallery

Temprano en su vida recibió ánimo de sus padres para comenzar a dibujar y pintar. Posteriormente mejoró sus capacidades del arte con estudios de arte por medio de una Academia de Bellas Artes en Suecia.

Su carrera como artista comenzó alrededor de los años 80 con algunas exposiciones en Suecia. Los dibujos a lápiz y a tinta fueron su especialidad hasta mediados de los años 90, pero tras ello cambió de estilo al comenzar a pintar con oleo y acrílico. En su estudio en Estocolmo y España pinta motivos urbanos, paisajes y arte moderno con colores muy llamativos, y su arte impresionista ha sido vendido a personas por todo el mundo.

Castel (1909 - 1991) - obra gráfica

“ .. el arte no es simbólico, sino más bien material, el material es lo principal, la forma en que se coloca la pintura, la forma en que se colocan las capas en el lienzo, para mí ésto es lo más esencial”.  Con esta palabras del propio artista se puede resumir su inquietud plástica que podemos encontrar en casí toda su obra.
 
La evolución artística de Castel parte de una etapa inicial (París,1928-40), con una clara influencia de las vanguardias parisinas de la época, donde convive con artistas como Picasso, Tapies, Chagall, Soutine,... Posteriormente evoluciona hacia un estilo expresionista denominado por el propio artista: “arte cananeo”, volviendo a sus raíces e impregnando de misticismo todas sus creaciones hasta los últimos días de su vida.

 

Abraham Benzadón (Madrid)

Las obras de A.Benzadón, en sus diferentes estilos y técnicas, mantienen un lenguaje muy personal que reflejan la búsqueda de espacios armónicos, limpios, coherentes, con equidad y energía, que llenan de contenido la levedad del ser en una búsqueda metafísica que trasciende a lo místico o espiritual.

Las esculturas transmiten la alegría y la energía del movimiento, que modelan el espacio dotándolo de armonía, tranquilidad y equilibrio; La implicación del movimiento según la percepción humana nos hablan también, del paso del tiempo y de su importancia como valor.

Pero sus obras, por encima de la anécdota, nos hablan de los valores humanos, depositados en la personas, de su responsabilidad como ser humano y de la condición de la vida, de su fragilidad y al mismo tiempo de su poder, en esa lucha constante por el equilibrio y progreso en la búsqueda de la excelencia. Sus obras transcienden al misterio que contiene lo metafísico ó espiritual.

 

Moisés Bentata (Madrid)

Su obra refleja una constante inquietud por el poder comunicativo del lenguaje escrito, las letras y su impacto en nuestro pensamiento. La madera en su aspecto natural se convierte en un elemento esencial (... casi necesario) en sus creaciones, presentando en diferentes planos un vocabulario de signos y formas que se reiteran en la mayoría de sus obras como un lenguaje expresivo de metáforas y sentimientos, basculando entre lo textual y figurativo.

Sus composiciones tridimensionales otorgan a su obra una profundidad y dimensión táctil, cuyos planos superpuestos y próximos al espectador le invitan a ser partícipe de forma activa en las mismas. La madera como elemento vivo y la simplicidad cromática, presentan una constante de equilibrio en todas sus creaciones.

La fuerza expresiva de las letras y su inquietud permanente por lo que transmiten y determinan en nuestras vidas centran el lenguaje metafórico de sus obras de arte. Su producción artística ha sido compartida con el público en diferentes exposiciones y ferias internacionales, y sus obras forman parte de diversas colecciones, tanto institucionales como privadas.